terça-feira, 27 de maio de 2025

Crítica - Missão: Impossível - O Acerto Final (2025)

TítuloMissão: Impossível - O Acerto Final ("Mission: Impossible - The Final Reckoning", EUA / Reino Unido, 2025)
Diretor: Christopher McQuarrie
Atores principaisTom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Hannah Waddingham, Tramell Tillman, Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis
Nota: 6,0

Franquia se despede de modo grandioso, porém com roteiro a desejar

Depois de quase 30 anos, quando tivemos o primeiro Missão Impossível (1996), chegamos ao oitavo e último capítulo da saga: Missão: Impossível - O Acerto Final, que é uma continuação de Missão: Impossível - Acerto de Contas - Parte Um (2023), cuja trama não havia terminado. Pela lógica, este filme aqui deveria se chamar Parte Dois, porém como a bilheteria do capítulo anterior ficou abaixo do esperado, a Paramount Pictures achou comercialmente mais interessante mudar para este nome.

Obviamente, é bem importante que você tenha assistido a primeira parte antes de ver Missão: Impossível - O Acerto Final. Mas ainda assim já nos primeiros minutos de projeção temos um breve e eficiente resumo do que aconteceu no filme anterior, o que já é suficiente para contextualizar os novos espectadores.

Dois meses após conseguir a chave para obter o código-fonte da inteligência artificial Entidade, Ethan Hunt (Tom Cruise) fica sabendo que agora ele tem uma apertada corrida contra o tempo: em cerca de 3 a 4 dias a Entidade terá assumido todo o arsenal nuclear do planeta, e fará um ataque total contra a humanidade. Para impedir que isto ocorra, Hunt e seu time precisa obter do vilão Gabriel (Esai Morales) a localização do submarino afundado Sevastopol (onde o código fonte da Entidade se encontra), retirá-lo de lá, e usá-lo contra esta maligna IA, para destruí-la.

Assim como em Missão: Impossível - Acerto de Contas - Parte Um, mais uma vez temos uma trama com referências e ligações aos filmes antigos da franquia, e também temos um número enorme de personagens. Porém, ao contrário do que vimos no episódio passado, aqui temos um foco muito maior em Ethan Hunt, que disparadamente ocupa mais tempo em tela. Porém ironicamente, as duas vezes do filme em que temos cenas de ação acontecendo em modo paralelo - e de forma tripla, cortando de um dos três "núcleos de ação" para outro - com toda a trupe de Ethan trabalhando em conjunto, é que temos o melhor de Missão: Impossível - O Acerto Final: tensão, ação e emoção nas medidas certas.

Com personagens carismáticos, ritmo acelerado e boas cenas de ação, certamente este novo Missão: Impossível não desagradará seu público. Ainda assim, o roteiro de O Acerto Final é fraco, trazendo de volta muito de ruim que fez, por exemplo, Missão: Impossível 2 virar piada: coincidências absurdas, situações tão bizarramente forçadas que beiram o ridículo. Exemplos: por duas vezes Tom Cruise tem alguns poucos minutos para salvar uma pessoa que está em outro prédio. Como ele vai salvá-la? Oras... correndo(!), afinal, ele é rápido igual ao Flash e todos os prédios do mundo são vizinhos uns dos outros. Ou ainda, quando ele está dentro do gigantesco submarino Sevastopol que pesa milhares de toneladas: basta ele fazer um mínimo movimento lá dentro, que o veículo inteiro se mexe como se fosse um lápis...

Apesar dos pesares, Missão: Impossível - O Acerto Final se conclui de maneira "épica" e aceitável, com uma trama que pode ser definida com palavras como "resumo", "conclusão" e "nostalgia". MAS ainda assim sua cena final é uma cena sem nenhum impacto, vaga, e com consideráveis ganchos para a história continuar.

Eu torço para que Missão Impossível tenha se encerrado. E olhe que sou bastante fã da franquia. Mas ela já se esgotou. O próprio filme, com este seu roteiro contestável, tira sarro dele mesmo várias vezes durante a história, com os inimigos de Ethan ironizando que ele sempre faz a mesma coisa... que Hunt sempre coloca em risco o mundo inteiro só para salvar a mocinha. Missão Impossível precisa se encerrar porque isto é verdade. E também porque se ficava cada vez melhor a partir do filme 4 e chegou em seu ápice no filme 6, agora vem piorando a cada sequência.

Mas se Tom Cruise não mentiu, Missão: Impossível - O Acerto Final é de fato o desfecho de tudo. Em uma Première duas semanas atrás, o ator declarou (sobre o filme): "É o último. Ele não se chama 'Final' à toa". Vou dar meu voto de confiança no astro e acreditar em suas palavras. Nota: 6,0


PS 1: aqui darei outro exemplo concreto do quão ruim e forçado é o roteiro. Como este PS é um pequeno spoiler, é melhor ler somente depois de ter visto o filme. Pois bem: em um determinado momento, com o avião em queda, o vilão tira sarro de Ethan dizendo "eu tenho o único paraquedas", e ele salta com seu paraquedas deixando nosso herói sozinho. Então Tom Cruise fica em situação difícil não é mesmo? Pois bem... sendo forçado a deixar o avião, ele também salta e depois de um tempo em queda livre, Ethan abre um paraquedas (????), que então pega fogo, e depois de mais um tempo em queda livre, ele abre seu SEGUNDO paraquedas (!!!!), para então pousar em segurança... 

PS 2: como peripécia final, Tom Cruise realizou uma de suas cenas de ação mais arriscadas de todas, que foi fazer acrobacias e lutas do lado externo de um antigo avião monomotor de hélice. No vídeo abaixo, segue um curto vídeo de bastidor das gravações destas cenas.



sexta-feira, 23 de maio de 2025

Crítica - Mickey 17 (2025)

Título
Mickey 17 (idem, Coréia do Sul / EUA, 2025)
Diretor: Bong Joon Ho
Atores principais: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Mark Ruffalo, Toni Collette, Steven Yeun, Patsy Ferran, Cameron Britton
Nota: 5,0

Filme tem bons efeitos visuais, mas não sobressai em mais nada

Mickey 17 era um dos filmes de 2025 que estava na minha lista dos que mais despertou interesse. Ficção científica, dirigido e roteirizado pelo sul coreano Bong Joon Ho, que já venceu Oscar de Direção e Roteiro por Parasita (2019).

Na história, baseada no livro de Edward Ashton de nome Mickey 7, estamos no ano de 2050, onde para fugir de um agiota assassino, vemos o fracassado Mickey Barnes (Robert Pattinson) embarcar em uma nave espacial para colonizar o planeta gelado Niflheim na profissão de "Dispensável", ou seja, uma pessoa que faz trabalhos extremamente perigosos e que, quando morrer, volta a vida através de um clone com memórias restauradas através de um processo chamado "reimpressão".

Porém, as coisas não são fáceis para Mickey. Não apenas ele é tratado mal por todos, como toda a tripulação vive em regime de economia, dada a escassez de recursos, e a enorme incompetência de seus líderes, o casal Kenneth e Ylfa Marshall (Mark Ruffalo e Toni Collette).

Os trabalhos de Bong Joon Ho costumam criticar o capitalismo, mostrar luta de classes, escancarar o egoísmo humano, ter humor sombrio... e aqui em Mickey 17 tudo isto está mais uma vez presente. Porém, tudo é feito sem surpresas e sem muito impacto. Há também um fator que ajuda a explicar a falta de força nas críticas políticas e sociais do roteiro: com exceção de um ou outro personagem, os demais são extremamente idiotas, fazendo este filme lembrar um bocado o clássico cult Idiocracia (2006). A diferença é que neste último há uma explicação para todos se comportarem de modo tão burro; aqui não.

Outro aspecto que poderia se esperar do roteiro de Mickey 17 era explorar os dilemas do personagem de Mickey Barnes morrer constantemente, e de encontrar com uma cópia dele mesmo (ok, isso é spoiler, porém aparece no trailer). Porém exatamente como todo o resto do filme, isto também é feito sem surpresas e sem muito impacto. Aliás, com um agravante: a "cópia" que Mickey 17 encontra tem um comportamento bem diferente do dele e para isso não é dada nenhuma explicação. Pelo menos Robert Pattinson atua bem, e isso é um ponto positivo.

Ainda que exageradamente cinza e marrom, o melhor em Mickey 17 é a parte visual, com boa fotografia e efeitos visuais. E ainda assim, também aqui falta originalidade... por exemplo as criaturas alienígenas são praticamente idênticas a um tipo de animal visto em Nausicaä do Vale do Vento (1984), de Hayao Miyazaki.

Em resumo, Mickey 17 é um passatempo aceitável. Bons efeitos visuais, mas de resto, digamos que é tudo um "médio"... até cogitei dar uma nota 6,0 pra ele... porém o desnecessário sonho que o personagem de Mickey tem perto do fim do filme foi demais para a minha boa vontade. Nota: 5,0


PS: o livro Mickey 7 possui uma continuação de nome Antimatter Blues, que se passa 2 anos após os eventos da primeira história. Porém é pouco provável que teremos esta continuação nos cinemas, já que o filme Mickey 17 mal se pagou nas bilheterias.

terça-feira, 20 de maio de 2025

Curiosidades Cinema Vírgula #042 - Jason Voorhees e as máscaras dos Goleiros de Hóquei

Um dos personagens mais icônicos dos filmes de terror é Jason, o assassino protagonista dos filmes da franquia Sexta-Feira 13. E se hoje reconhecemos imediatamente sua assustadora imagem, de seu "rosto" impassível coberto por uma máscara de goleiro de hóquei, saibam que nem sempre foi assim.

Até o presente momento, tivemos 12 filmes (!!!) de Sexta-Feira 13, porém Jason Voorhees vestiu sua máscara de hóquei apenas a partir do terceiro filme, Sexta-Feira 13 - Parte 3 (1982). No filme inicial, ele ainda não é adulto e aparece sem máscaras; já no segundo, ele simplesmente aparece com um saco de estopa cobrindo sua cabeça. Na imagem acima, vemos o famoso assassino com seu visual do filme 2 (à esquerda), e estreando a famosa máscara no filme 3 (à direita).

O que poucos sabem é que Jason só ganhou a máscara de goleiro de hóquei por puro acaso. Para o filme Sexta-Feira 13 - Parte 3 o roteiro apenas dizia que Jason "usava uma máscara", sem trazer nenhum detalhe adicional.

Em um dos primeiros dias de produção, o diretor Steve Miner pediu um teste de iluminação, e então a equipe saiu a caça de uma máscara qualquer para que o ator Richard Brooker (que interpretava Jason neste filme) pudesse ser filmado. Quem lhe deu a máscara foi supervisor de efeitos especiais Martin Jay Sadoff, que era um grande fã de hóquei e, por coincidência, trazia em seu carro uma máscara de goleiro do Detroit Red Wings.

O teste foi feito, Miner gostou do visual e a máscara foi "oficializada" para o filme. Como a máscara original não cobria toda a cabeça de Jason, um novo molde foi feito, ampliando-a. Terry Ballard, do departamento de arte, adicionou a ela os triângulos vermelhos e mudou a disposição de alguns furos para dar uma aparência única e marcante. Pronto! A primeira máscara de goleiro de hóquei de Jason Voorhees estava finalmente finalizada!


As máscaras em goleiros de Hóquei no Gelo

Curiosamente, a máscara usada por Jason em Sexta-Feira 13 - Parte 3 já era "antiga" quando o filme foi feito. Para ser mais exato, o objeto em questão é uma 1970 Jacques Plante Elite FibroSport model 103. Ou seja, o filme era do começo dos anos 80, mas aquela máscara foi utilizada no começo dos anos 70. E em se tratando de ser uma máscara do Red Wings, isso significa que na vida real ela foi usada por goleiros como Doug Grant, Bill McKenzie e Terry Richardson.

Mas vamos voltar ao nome presente no modelo da máscara: Jacques Plante. Quem é ele? Bem, além de ser o dono da empresa que fez esta máscara, o canadense Plante também foi goleiro da NHL e na verdade, o inventor das máscaras para goleiros no Hóquei no Gelo!

Segundo o que conta a história, Jacques Plante, goleiro do Montreal Canadiens, desde 1956 treinava usando uma máscara de fibra de vidro que ele mesmo fez (ver imagem ao lado), depois de perder 13 jogos devido uma operação no nariz para sinusite. Porém, seu treinador Toe Blake não o deixava usar a máscara nas partidas por medo que ela limitasse sua visão.

Entretanto, no dia 1º de novembro de 1959, em uma partida contra o  New York Rangers, o nariz de Plante foi quebrado quando seu rosto foi atingido por um disco de borracha (puck) arremessado contra seu gol. Ele foi levado ao vestiário para costurar pontos no nariz e quando voltou, ele estava usando sua máscara de goleiro caseira dos treinos. O técnico Blake ficou furioso, mas como não havia outro goleiro e Plante se recusava a retornar para o jogo sem a máscara, Blake cedeu e os Canadiens venceram o jogo por 3 a 1. Para as partidas seguintes, Plante continuou recusando a deixar a máscara, mas como os Canadiens continuaram a vencer, Blake também foi aceitando a exigência de seu goleiro. No final das contas, os Canadiens seriam os campeões daquela temporada. Seria a quinta Stanley Cup consecutiva do time, e o último título de Jacques Plante como profissional.

Após esta temporada, Plante começou a projetou suas próprias máscaras e as de outros goleiros; trabalho que ficou muito mais sério após sua aposentadoria, quando investiu em uma empresa dedicada a isso. E apenas para reforçar, Jacques Plante não foi o primeiro goleiro da NHL a usar uma máscara facial. Por exemplo em 1930 Clint Benedict, do Montreal Maroons, usou uma máscara de couro para proteger um nariz quebrado. A diferença é que Plante introduziu a máscara como equipamento diário, e não apenas para proteção de machucados.

Mas a conclusão é: por cerca de 50 anos, os goleiros da NHL não usavam máscara nenhuma! Goleiros usarem máscaras só passou a ser maioria no começo da década de 70. E somente a partir da temporada da NHL de 1979-80 o equipamento inventado por Jacques Plante enfim se tornou obrigatório. Coisa de maluco!




PS: Já viu as outras curiosidades do Cinema Vírgula? É só clicar aqui!

domingo, 18 de maio de 2025

Muito além de Susan Boyle: conheça aqui outras SETE audições espetaculares em programas de talentos


O que não falta na televisão são programas de "show de talento", onde participantes (em teoria ainda desconhecidos ou de pouca fama) participam de uma competição, realizando ao vivo alguma performance artística, geralmente perante a um público espectador e a um pequeno júri selecionado.

Um dos momentos mundialmente mais famosos destes programas ocorreu em 2009, quando a escocesa Susan Boyle (a primeira pessoa na foto acima) apareceu no programa de calouros britânico Britain's Got Talent pela primeira vez e cantou a música I Dreamed a Dream do musical Les Miserables. Por ser uma pessoa já com certa idade, acima do peso, aparência desleixada e bastante tímida, todos olharam para Susan desconfiados. Porém, quando ela começou a cantar, revelou ser uma cantora excepcional, chocando a todos e as imagens de sua apresentação viralizaram rapidamente por todo o mundo.

Mais de 15 anos após este momento, os programas de "show de talento" continuam firmes e fortes por aí. Assim como novos cantores e cantoras sensacionais continuam surgindo todos os anos. Mas hoje existem tantas outras coisas viralizando pela Internet, que dificilmente teremos algo parecido como o fenômeno Susan Boyle novamente. Por isso, aqui no Cinema Vírgula, resolvi trazer algumas apresentações que considero incríveis para que todos vocês também possam conhecer e desfrutar.



Começando por Loren Allred, estadunidense. Quando ela se apresentou no Britain's Got Talent 2022, ela ainda não era famosa, mas ironicamente sua voz sim. Isto porque, sem creditar, eram dela os vocais no filme musical O Rei do Show (2017) para a música Never Enough. Sua apresentação para esta música é de arrepiar (clique aqui pra ver), porém resolvi trazer algo que achei ainda mais belo: sua performance na disputa final, onde Loren resolveu cantar uma música de própria autoria chamada Last Thing I'll Ever Need.



Para quem curte um pop rock britânico, aqui vai a apresentação do australiano Adam Ludewig no The Voice Australia 2020 cantando Leave A Light On, do cantor Tom Walker. Sua bela voz tornou a canção melhor que a original. O que torna sua performance ainda mais inacreditável é que ele tinha apenas 16 anos de idade na época desta apresentação.




Agora vamos de um novo momento Susan Boyle. Trata-se da estadunidense Amanda Mammana, se apresentando no America's Got Talent 2022 com uma canção de autoria própria. Apesar de ter disfemia (o que popularmente chamamos de gagueira), e um pouco de dificuldade para se apresentar, foi só ela começar a cantar com seu violão para rapidamente nos maravilharmos com sua voz doce e afinada.



Sheldon Riley, jovem cantor australiano, em seus primeiros anos de apresentações públicas também chamou a atenção por muitas vezes usar máscaras, e que segundo ele, o fazia por não gostar da própria aparência. Porém sua voz não tem nenhum resquício desta "timidez": forte, impactante e única. Se preparem para ouvir algo bem diferente. No vídeo abaixo ele reinterpreta a música Frozen, da Madonna, no The Voice Australia 2019. Na mesma competição ele também se apresentou sem cobrir o rosto, como por exemplo na Final, onde você pode vê-lo clicando aqui cantando Everybody Wants To Rule The World.



Segue outro australiano de voz única: aqui vemos Wolf Winters, com sua voz ultra grave, cantando The Sound Of Silence no The Voice Australia 2020. Como curiosidade, apesar de sua excelente apresentação ele foi eliminado, graças a um... digamos "desacordo" entre os jurados Guy Sebastian e Kelly Rowland, a única que poderia aprová-lo (clique aqui para ver o que aconteceu).



A primeira vista, eu não imaginaria que o escocês Stevie McCrorie, com sua camisetinha polo levaria jeito para cantor. Porém sua apresentação de All I Want da banda irlandesa de rock Kodaline no The Voice UK 2015 encantou muito todos os jurados, onde teve aprovação, ou melhor, aclamação(!) unânime.



E para finalizar, se começamos a lista com uma intérprete feminina, terminaremos com outra. Trata-se da australiana Sabrina Batshon cantando Power Of Love no The Voice Australia 2014. A música, que ficou famosa interpretada por Céline Dion, na verdade foi originalmente criada por Jennifer Rush. E Sabrina não ficou devendo para nenhuma das duas...





Gostaram da lista? Deixem nos comentários para eu saber se querem ver mais artigos sobre música no Cinema Vírgula!

domingo, 11 de maio de 2025

Curiosidades Cinema Vírgula #041 - Reese Witherspoon: feminista, entusiasta e adaptadora de livros


A atriz Reese Witherspoon é bem conhecida mundialmente. Hoje com 49 anos e com atuações em cerca de 40 filmes, ela provavelmente ficará para sempre no imaginário popular pelas suas participações nas comédias Legalmente Loira (2001) e Legalmente Loira 2 (2003), e também no drama musical Johnny & June (2005), do qual aliás ela venceu o Oscar de Melhor Atriz.

Porém Reese também é empresária e produtora, onde aliás tem trabalhado mais do que na função de atriz nos últimos anos. Estes outros "aspectos" da pessoa Reese Witherspoon não são muito conhecidos pelo público brasileiro. Portanto, comentarei um pouco deles aqui no Cinema Vírgula. ;)

Seu lado empresária e produtora se iniciou no ano de 2000, quando ela, juntamente com Debra Siegel, fundaram a Type A Films, uma empresa para produzir filmes. Inclusive, os dois Legalmente Loira já seriam produzidos por esta companhia. Em 2012 houve uma fusão da Type A Films com a também produtora Make Movies de Bruna Papandrea, para criar uma nova empresa chamada Pacific Standard. Sob o nome da Pacific Standard foram produzidos filmes como Garota Exemplar e a série da HBO Big Little Lies. Em 2016, Witherspoon e Papandrea se separariam, com Witherspoon ficando com o controle total da empresa.

Em 2015, Reese Witherspoon lançaria seu segundo empreendimento: a Draper James, uma linha (e loja) de roupas e objetos de decoração inspirados no sul dos EUA (ela é da Louisiana, um dos estados desta região estadunidense).

E finalmente, em 2016, Witherspoon e Seth Rodsky fizeram uma joint venture da Pacific Standard com uma empresa chamada Otter Media. Nascia então a Hello Sunshine: uma empresa focada em produzir, para diversas mídias (cinema, TV, etc), histórias protagonizadas por mulheres.

Como exemplos de séries, a Hello Sunshine produziu The Morning Show (Apple TV), Recomeço (Netflix) e Daisy Jones & The Six (Prime Video). Já em filmes, temos como exemplos Um Lugar Bem Longe Daqui (de 2022, mas que acabou de chegar na Netflix), Um Presente da Tiffany (Prime Video), Na Sua Casa ou na Minha? (Netflix) e Casamentos Cruzados (lançado recentemente na Prime Video).

E ainda tem mais. Reese Witherspoon criou em 2017 seu próprio "clube de livros", o Reese's Book Club. Nele, todo mês, a atriz mensalmente indica um livro para seus seguidores. Os livros também sempre possuem mulheres como protagonistas, e Reese garante que é realmente ela quem faz a indicação dos títulos. Como curiosidade, as indicações do seu book club costumam ser elogiados devida sua diversidade, e também por serem obras bem recentes de autores que em geral ainda não são famosos; por exemplo uma boa parcela delas foram os livros inaugurais de seus respectivos escritores!

Claro que Reese e a Hello Sunshine não iriam perder a oportunidade, e alguns dos seus livros indiciados já foram adaptados em séries ou filmes por eles mesmos, algo que está se tornando cada vez mais comum. É o caso, por exemplo, dos já citados Um Lugar Bem Longe Daqui e Daisy Jones & The Six, e também de Little Fires Everywhere (Prime Video) e A Última Coisa que Ele Me Falou (Apple TV+).

Seu book club é um negócio milionário, disparando a venda de qualquer um de seus livros escolhidos, gerando bastante conteúdo associado nas mídias sociais, além é claro, de estimular o hábito da leitura principalmente entre o público feminino.

A título de curiosidade, em 2021 Witherspoon vendeu a Hello Sunshine para uma dupla de executivos por estimados 900 milhões de dólares, porém com ela e a antiga CEO Sarah Harden continuando a mandar na empresa normalmente. Já em 2023, Reese vendeu 70% da Draper James, onde ela permanece como acionista minoritária e membro do conselho.

Caso queira saber todos os livros que o Reese's Book Club já indicou na vida, é só clicar aqui (está tudo em inglês). As 4 indicações mais recentes estão na imagem mais acima.

Já viu algum filme / série / livro produzido por Reese Witherspoon? Agora não tem desculpa. Só pegar um nome aqui neste artigo e começar. :)



PS: Já viu as outras curiosidades do Cinema Vírgula? É só clicar aqui!

quarta-feira, 7 de maio de 2025

Crítica - Thunderbolts* [ou agora seria *Os Novos Vingadores?] (2025)

Título
Thunderbolts* (idem, EUA, 2025)
Diretor: Jake Schreier
Atores principais: Florence Pugh, Sebastian Stan, Julia Louis-Dreyfus, Lewis Pullman, David Harbour, Wyatt Russell, Hannah John-Kamen, Geraldine Viswanathan, Olga Kurylenko
Nota: 7,0

Nova Viúva Negra e os Thunderbolts lutam contra a Depressão

Eu tinha curiosidade sobre o quanto este filme Thunderbolts* seria diferente dos demais trabalhos da Marvel. Afinal, eles fizeram um bom esforço em associá-lo à A24, produtora de filmes e séries queridinha do mercado atual, e responsável por filmes consideravelmente "alternativos". Como exemplos de suas produções: Midsommar - O Mal Não Espera a Noite (2019), A Baleia (2022), X - A Marca da Morte (2022), Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo (2022) e Guerra Civil (2024). 

A tentativa de associação entre marcas de Marvel e A24 para este filme foi tal, que chegaram a fazer um trailer especificamente para isto, destacando que Thunderbolts* teria atores que já trabalharam na A24 (Florence Pugh, Sebastian Stan e Julia Louis-Dreyfus), assim como roteiristas (Jake Schreier e Joanna Calo), editor (Harry Yoon), diretores de fotografia, diretora de produção e compositora (Andrew Droz Palermo, Grace Yun e Son Lux respectivamente).

E como resultado final, Thunderbolts* de fato é o filme menos Marvel de todos. Porém, não conseguiu ser muito A24, no que voltarei mais adiante. Na história, vemos a diretora da CIA, Valentina de Fontaine (Julia Louis-Dreyfus) sendo investigada por atividades ilegais e, colocando sua contratada Yelena Belova / Viúva Negra (Florence Pugh) para destruir as provas e instalações que a comprometesse.

Porém Yelena é conduzida a uma missão suicida, pois ela também é uma "evidência" das atividades ilegais de Valentina, que portanto a quer morta. E o mesmo acontece com outros ex-contratados da diretora da CIA, que escapam da armadilha, e se unem virando os Thunderbolts.

E qual é o vilão que eles enfrentam? Bem, além da própria Valentina, seria o personagem Bob / Sentinela (Lewis Pullman)... porém na verdade o que eles estão mesmo enfrentando é a depressão. Inicialmente representada na melancolia da personagem de Yelena, e posteriormente, na "desesperança" encontrada nela e em Bob.

Então é neste aspecto em que Thunderbolts* se difere de todos os outros filmes da Marvel. O inimigo é uma doença, é um sentimento, é algo que você carrega. E o filme martela várias vezes que a cura é pedir ajuda, é não ficar sozinho. E é bom passar esta mensagem.

E por ter este tema, o filme é um pouco sombrio, com vários diálogos e menos ação do que o padrão Marvel... mas as "mudanças" param por aí. Como qualquer outro filme do MCU (Universo Cinematográfico Marvel), a produção é repleta de piadas, de atos heróicos e de efeitos especiais, e isso mesmo com os personagens não tendo muitos poderes sobre-humanos.

Quem rouba a cena em Thunderbolts* é Florence Pugh, não apenas pela qualidade de sua atuação, mas também pelo seu tempo em tela. Yelena é o fio condutor da trama, e temos aqui algo muito próximo do que seria um filme só seu... O que nos leva a um problema: a Marvel continua incapaz de "recomeçar" um ciclo de verdade, e sempre depende de seu gigantesco passado de filmes e séries. Claro, Thunderbolts* é um filme de história fechada e independente. Porém, metade de seus personagens vêm do filme Viúva Negra (2021), e a outra metade, do seriado Falcão e o Soldado Invernal (também 2021). Dá pra entender e curtir o filme sem ter assistido estas obras? Dá. Mas principalmente sem ter assistido Viúva Negra e sem conhecer o passado de Yelena Belova, um pouco se perde, até para compreender melhor a depressão da personagem, ponto central deste filme.

Diferente, e falando quase exclusivamente de um único tema (depressão), Thunderbolts* acaba sendo um bom filme, menos Marvel, mas até por ainda ser bastante intrínseco ao mundo de super-heróis, acaba ironicamente sendo mais DC do que A24. E depois de vários filmes ruins da "Casa das Idéias", é bom ver que este não é um deles. Nota: 7,0.


PS1: muito se especulava o motivo de ter um " * " no título do filme de Thunderbolts*. E não demorou muito para sabermos a resposta. Quatro dias após o seu lançamento mundial nos cinemas, ou seja nesta segunda-feira dia 05/05, a Marvel fez uma ação comercial "mudando" o nome do filme, que agora não é mais Thunderbolts*, e sim *Os Novos Vingadores. Abaixo segue o vídeo com o elenco do filme fazendo a revelação da "surpresa". Na minha opinião, uma estratégia de marketing meio idiota... mas vamos ver se ela terá algum impacto nas bilheterias...

PS2: Thunderbolts* possui duas cenas pós créditos. A primeira, curta e bobinha, aparece no começo da rolagem de créditos. Já a segunda, consideravelmente longa, acontece no final de todos os créditos e antecipa algumas coisas do futuro do MCU... o principal delas, é um considerável spoiler sobre o Quarteto Fantástico. Quero ver se eles vão mesmo manter na cronologia o que foi mostrado na cena, ou se vão simplesmente ignorá-la no futuro.

segunda-feira, 28 de abril de 2025

Vem aí! Nova série de animação de Asterix na Netflix + Novo álbum de Asterix que será em... Portugal, ora pois!

Notícias curtas, simples, mas empolgantes para fãs de Asterix. A começar por esta semana, já que na Quarta-feira dia 30 de Abril, estréia na Netflix a série de desenho animado Asterix e Obelix: O Combate dos Chefes.

A série, que conterá 5 episódios com cerca de 30 minutos cada, é claramente baseada no álbum O Combate dos Chefes, sétimo volume em quadrinhos produzido sobre o pequeno guerreiro gaulês. Segue abaixo o trailer da atração, que está bem engraçado.



E o álbum 41 vem aí!

Sim, mantendo a tradição, todo Outubro de ano ímpar tem novo álbum de Asterix, certo? Certo! E a data já está marcada! Será lançado em 23 de Outubro de 2025, o 41º álbum de nosso herói: Asterix na Lusitânia (o nome atribuído na Antiguidade ao atual território onde fica Portugal).

Das páginas do volume 17... será ele que vamos revê-lo?

Detalhes sobre a trama? Segundo Fabcaro, que volta para escrever Asterix pela segunda vez após seu Asterix - O Íris Branco, tudo começa quando um ex-escravo lusitano, que conheceu os gauleses nO Domínio dos Deuses (17º álbum de Asterix), vai até a aldeia de nossos amigos pedir ajuda.

Segue abaixo um trecho de uma folha promocional (em francês) sobre o novo álbum. Chega logo, Novembro!

quarta-feira, 23 de abril de 2025

Os Smurfs estão voltando com tudo para o Brasil. E o melhor, de maneira inédita nos Quadrinhos!


Não estamos nos anos 80, onde os Smurfs eram uma febre entre as crianças no Brasil e no mundo, graças principalmente ao seu recém lançado desenho da TV (foram 9 temporadas entre 1981 a 1989!). Porém estamos em 2025, e hoje trago para vocês pelo menos 2 bons motivos para voltar a viver este encanto de outrora!

Primeiro, caso exista alguém que consiga não saber quem são os Smurfs: trata-se de uma série de personagens de quadrinhos criada em 1958 pelo cartunista belga Pierre Culliford, muito mais conhecido como Peyo. Os Smurfs (Les Schtroumpfs no original) são criaturinhas humanóides azuis, bondosas e simpáticas, e que vivem na floresta, escondidas dos humanos. Peyo escreveu e desenhou 16 álbuns dos Smurfs, sendo o último destes publicado em 1992, mesmo ano de seu falecimento.

Porém a obra foi continuada por seu filho Thierry Culliford, que continua escrevendo e publicando novos álbuns dos Smurfs; atualmente seu ritmo de produção é de um novo título por ano. O mais recente, Les Schtroumpfs et la Cape Magique, de 2024, é o 42º da coleção.


Os Smurfs em quadrinhos estão de volta ao Brasil!

Neste mês tivemos a grata surpresa do anúncio de que os Smurfs voltarão a ser publicados no Brasil, agora pela editora Comix Zone. E o melhor, eles prometeram trazer pela primeira vez a obra "integral" e em ordem cronológica... Por "integral", seriam todos os 16 álbuns escritos por Peyo.

E isto é muito bacana, pois apesar de todo sucesso que os Smurfs sempre desfrutaram no Brasil, ainda há uma pequena parte deste material inédita por aqui. Além disto, de tudo que já foi publicado, foi fora de ordem, sem nenhum compromisso cronológico. A Comix Zone está sendo a 4ª editora a trazer os "duendes azuis" para cá, sendo que a primeira tentativa foi feita pela editora Vecchi (nos anos 70, em formatinho), depois pela editora Abril (anos 80, também em formatinho), e finalmente pela L&PM (entre 2011 e 2013, tanto no formato original de revista quanto em formato pocket).

A publicação será dividida em 5 volumes, em capa dura, formato revista (21 x 27,5 cm), sendo que o primeiro livro, já anunciado (e em pré-venda) contém as histórias Os Smurfs Roxos, O Smurfíssimo, e Os Smurfs e a Flauta Mágica.

Johan e Peewit encontrando a Vila dos Smurfs pela primeira vez

As duas primeiras histórias são respectivamente as duas primeiras edições originais de Smurfs. Mas Os Smurfs e a Flauta Mágica não. Teria a Comix Zone mentido para nós? Não! É que esta história é um extra maravilhoso! Explico: é que os Smurfs não surgiram em revista própria, eles surgiram anteriormente em outra HQ, na revista Johan e Peewit: um quadrinho também escrito por Peyo, só que de fantasia medieval. E Os Smurfs e a Flauta Mágica é onde os Smurfs aparecem pela primeira vez (como coadjuvantes), nas histórias em quadrinhos! Os pequenos azuizinhos iriam aparecer ainda em mais 5 edições de Johan e Peewit antes de ganharem sua própria revista.

E ainda vale a pena ler e comemorar que Smurfs vai voltar a ser publicado no Brasil? A resposta é SIM!  Pois ao contrário do que se parece, Smurfs não são simples histórias infantis. Peyo é um incomum exemplo em que podemos verdadeiramente dizer que conseguiu escrever histórias para "toda a família", conseguindo agradar ao mesmo crianças e adultos. Por exemplo, nas duas primeiras histórias que aparecem no primeiro volume da Comix Zone: Os Smurfs Roxos é uma trama sobre apocalipse zumbi; já O Smurfíssimo é uma história sobre a ascensão de regimes totalitários.


Também vem aí: O primeiro Parque Temático Smurfs da América Latina

E além da volta dos Smurfs nos quadrinhos, continua sendo aguardado para o primeiro semestre deste ano, 2025, a inauguração da Vila dos Smurfs Park, em São Paulo, capital.

Trata-se de um parque indoor, nos mesmos moldes do Parque da Mônica, em uma área de mais de 5 mil metros quadrados. O parque prevê iniciar as atividades com 17 atrações, de entre elas a Toca do Cruel (montanha-russa no escuro), o Smurfly (simulação onde você sobrevoa todo parque), e Salão de beleza da Smurfette, além de shows ao vivo diários. O endereço é: Av. Miguel Estefano, 1300, no bairro da Saúde.

Como curiosidade, este será o 4º parque temático dos Smurfs no mundo, pois também temos parques na China (em Xangai), Rússia (em Moscou) e Emirados Árabes (em Dubai).




E aí, ficaram smurfizados com as novidades? Escrevam nos comentários!

segunda-feira, 21 de abril de 2025

Curiosidades Cinema Vírgula #040 - A Piada do Palhaço Pagliacci


Uma piada bem famosa dentro da Cultura Pop é a piada do Palhaço Pagliacci, contada por Alan Moore em seu clássico dos quadrinhos Watchmen (1986-87), facilmente uma das melhores HQs sobre super-heróis de todos os tempos. Em sua obra, Moore nos apresenta este texto quando o personagem Rorschach compara Pagliacci ao herói de nome Comediante (ver um trecho na imagem acima). A descrição completa deste gracejo vem a seguir:


Ouvi uma piada uma vez: Um homem vai ao médico, diz que está deprimido. Diz que a vida parece dura e cruel. Conta que se sente só num mundo ameaçador onde o que se anuncia é vago e incerto.

O médico diz: “O tratamento é simples. O grande palhaço Pagliacci está na cidade, assista ao espetáculo. Isso deve animá-lo.”

O homem se desfaz em lágrimas. E diz: “Mas, doutor… Eu sou o Pagliacci.”

Esta triste anedota virou até meme, e por exemplo graças ao seu desfecho melancólico, foi bastante relembrada durante a morte do ator e comediante Robin Williams, devido suicídio, em 2014. O "Paradoxo do Palhaço Triste", em que palhaços e comediantes bem sucedidos, ao mesmo tempo sofrem de ansiedade, depressão, solidão e outros distúrbios mentais, é um fenômeno existente na vida real e estudado pela psicologia. 

Mas o que poucos sabem é que a tal piada do Palhaço Pagliacci não foi inventada por Alan Moore. Aliás, ela já possui alguns séculos de idade. Também há o detalhe que em italiano, pagliacci é o plural de pagliaccio, a palavra “palhaço”. Além de que Pagliacci também é o nome de uma famosa ópera italiana do final do séc XIX, onde seu protagonista Canio é um ator infeliz e ciumento que atuava como palhaço e foi traído pela esposa com o amigo.

De todo este contexto, podemos imaginar que Moore intencionalmente optou por adaptar as versões predecessoras da piada colocando o nome de Pagliacci em sua obra para representar a classe dos atores de comédia em geral.


Como exemplos de versões anteriores da piada do Palhaço Pagilacci, por exemplo podemos encontrá-la dentro do conto The Comic ("O Cômico"), escrito e publicado pelo estadunidense Ralph Waldo Emerson  em 1875 (onde neste caso o "paciente" se chamava Carlini); e também dentro do poema Reir Llorando ("Rindo Chorando"), do escritor mexicano Juan de Dios Peza (1852-1910):

Certa vez, um homem com uma expressão sombria procurou um médico famoso: "Eu sofro", disse ele, "de uma doença tão terrível quanto essa palidez do meu rosto".

(...)

Tome este conselho como uma receita hoje: Somente vendo Garrik você poderá se curar.

(...)

Assim disse o doente, ele não me curou; Eu sou Garrik!... Mude minha receita.


Outras versões desta mesma história são menos curiosas e mais tristes, pois remetiam a pessoas reais. No poema acima, já se especulava que Garrik fosse uma referência ao ator, mímico e palhaço inglês Joseph Grimaldi (1778-1837), que embora tenha sido um grande sucesso em sua época, teve uma vida difícil e passou seus últimos anos no alcoolismo e depressão. 

O "Garrik" de Dios Peza poderia até não ser Grimaldi, mas a versão da piada que mais corria pelos anos 1910 colocava Grimaldi nominalmente como sendo o palhaço da história. Já nos anos 1930, a versão mais popular da mesma anedota colocava como protagonista o palhaço "Grock", mesmo nome artístico de Charles Adrien Wettach (1880-1959) um palhaço suíço que foi um dos maiores artistas europeus de sua geração.

Com registros escritos desde pelo menos o ano de 1814, a estrutura do conto que hoje conhecemos como a piada do Palhaço Pagliacci, graças a Alan Moore e a natureza humana, deverão se manter para a posteridade.



PS: Já viu as outras curiosidades do Cinema Vírgula? É só clicar aqui!

sexta-feira, 4 de abril de 2025

Crítica Netflix - The Electric State (2025)

Título
: The Electric State (idem, EUA, 2025)
Diretores: Anthony Russo, Joe Russo
Atores principais: Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Ke Huy Quan, Stanley Tucci, Woody Norman, Giancarlo Esposito, Jason Alexander
Nota: 5,0

Irmãos Russo colocam em dúvida o futuro dos filmes de Entretenimento

Neste mês de Março tivemos na Netflix a estréia do filme The Electric State, baseado em uma obra de quadrinhos sueca de mesmo nome, publicada em 2018. Antes mesmo de sua estréia, ele chamava a atenção do mundo do entretenimento por outros motivos: primeiro, por ser produzido e dirigido pelos "Irmãos Russo", para quem a Marvel Studios confiou a responsabilidade de planejar e produzir os dois próximos filmes dos Vingadores. Além disto, trata-se do filme disparadamente mais caro feito pela Netflix, com custos estimados em US$ 320 milhões; o que aliás coloca The Electric State entre os 15 filmes mais caros da história.

A expectativa de todos, portanto, era se Netflix e Irmãos Russo iriam entregar algo digno do tamanho investimento... e a resposta infelizmente foi um retumbante "não". Embora The Electric State não esteja indo tão mal em audiência, em termos de críticas sua recepção tem sido catastrófica.

A história se passa nos anos 90 de um planeta Terra "alternativo", pois nele aprendemos que décadas atrás os robôs já começaram a ser utilizados para fazer os trabalhos dos humanos, dos pesados aos domésticos, sendo cada vez mais explorados e mal tratados... até que se rebelaram. Houve então uma guerra e a humanidade estava com tudo perdido, até que surgiu um salvador... Ethan Skate (Stanley Tucci), um gênio da informática que descobriu uma maneira de colocar os humanos para lutar remotamente controlando trajes mecânicos armados através de uma poderosa rede mundial sem fio.

Desta maneira, os humanos mudaram os rumos da batalha e derrotaram os robôs, que foram todos presos ou destruídos. Já os humanos passaram a viver em função da tal rede e seus trajes mecânicos. Neste contexto, a jovem Michelle (Millie Bobby Brown) recebe em sua casa a visita do robozinho Cosmo, pedindo ajuda e dizendo ter a mente de seu irmão Christopher (Woody Norman), morto vários anos atrás. A dupla então sai em busca de respostas, fugindo simplesmente "de todo o sistema".

A única parte dos tais US$ 320 milhões que foram bem investidas foram nos efeitos especiais, mais especificamente nos robôs, de visual retrô bem variado, e acabam parecendo bem "reais". O filme não tem tanta ação, mas as poucas batalhas até são boas. O design de produção de todo universo de The Electric State - boa parte digital - em geral é bem feito e impressiona.

Já o dinheiro gasto no elenco consideravelmente famoso foi um bocado desperdiçado... Millie Bobby Brown até está bem, mas não é seu melhor filme... Chris Pratt e Ke Huy Quan, geralmente carismáticos, desta vez não comovem. Mas o pior foi feito com Giancarlo Esposito: seu personagem, que começa sendo um dos mais interessante da trama, encerra sua participação de modo simplesmente revoltante.

A pior parte de The Electric State é seu roteiro. Como trama e filme de aventura, diria ser um filme mediano da Sessão da Tarde. Daqueles para assistir sem compromisso, quando você está entediado e não encontrou nada melhor pra fazer... porém, com um agravante... aqui temos alguns furos na trama realmente grotescos. Algo que reduziria a recomendação do filme para infantil.

E ver que este é o resultado final de um investimento de US$ 320 milhões é bastante assustador. Não só para nós, consumidores, mas para a indústria de filmes, e principalmente, seus investidores. Filmes que custam centenas de milhões de dólares estão diminuindo, hoje em dia costumam cada vez mais serem apenas de continuações de franquias já consagradas. Ano a ano, no Oscar, temos mais filmes independentes (leia-se "baratos") entre os indicados (lembrando que o grande vencedor deste ano, Anora, foi um filme independente que custou US$ 6 milhões). E aí quando temos uma franquia nova se arriscando com este alto orçamento, vemos essa "coisa" de qualidade bem duvidosa?

E isto que estamos falando de um projeto capitaneado pelos "Irmãos Russo", que já estão acostumados com filmes Blockbusters, e estão trabalhando em The Electric State há pelo menos 5 anos. Será que eles têm capacidade para tocar os futuros filmes Vingadores: Destino (2026) e Vingadores: Guerras Secretas (2027)? Se eu fosse acionista da Marvel, nessas horas estaria beeeem preocupado. Fracassos assim comprometem o futuro de grandes filmes de fantasia e ficção científica... fica cada vez mais raro vê-los em produção... mesmo atualmente já estão quase restritos aos filmes de Super-Heróis.

Concluindo, The Electric State é um filme de aventura mediano. Não chega a ser enfadonho, mas não traz nada de verdadeiramente interessante em sua história. Seu melhor são os pitorescos e visualmente interessantes personagens robôs. Como diria o Chaves, "teria sido melhor ir ver o filme do Pelé". Nota: 5,0.

segunda-feira, 31 de março de 2025

Curiosidades Cinema Vírgula #039 - A noite do ano que não teve verão e que mudou a História da Literatura para sempre

Podem procurar em seus livros de História. Ou do jeito mais fácil rs: na Internet. Sabiam que no ano de 1816, para muitos países do Hemisfério Norte, não houve verão? A explicação mais aceita para o fato foi uma erupção no ano anterior do Monte Tambora, na Indonésia, a maior da era humana. Sua explosão teria lançado tanta quantidade dióxido de enxofre na estratosfera, que acabara bloqueando parte da luz solar no planeta por meses.

Sendo esta a real causa ou não, os fatos são que 1816 foi em média 3º C mais frio que o ano anterior, e que no Canadá, norte dos EUA e norte da Europa, em pleno verão tivemos fortes geadas, lagos e rios congelados, com tudo isso causando mortes e enormes perdas na agricultura e pecuária.

No meio deste cenário deprimente, em Junho de 1816 Mary Shelley (então Mary Godwin), sua meia-irmã Claire Clairmont e o poeta Percy Bysshe Shelley (seu futuro marido) se encontraram com o famoso poeta Lord Byron e seu jovem médico, o também escritor John William Polidori, na mansão Villa Diodati, que ficava perto do Lago de Genebra. O que era para ser um agradável passeio de férias de verão acabou não se concretizando devido às constantes chuvas, que obrigou o grupo a ficar o tempo todo recolhido dentro da casa (ah, a foto deste artigo é de um episódio da 12ª temporada da série Doctor Who, que recria estes momentos).

Para se entreter, eles começaram a ler em voz alta Fantasmagoriana, uma antologia francesa de contos alemães sobre fantasmas. Animados com o livro, posteriormente Lord Byron sugeriu que cada um escrevesse sua própria história de fantasma, e os cinco toparam.

Como resultado do "desafio" após os três dias que ficaram reunidos, Percy Shelley escreveu o poema A Fragment of a Ghost Story (leia ele aqui). Já Lord Byron começou a escrever uma história de vampiro, que ficou conhecida como Fragment of a Novel (ou simplesmente A Fragment). Porém o famoso poeta abandonou o "passatempo" rapidamente, e este pequeno conto ficou inacabado. Ainda assim, o texto incompleto foi publicado por seu editor em 1819 - sem autorização de Lord Byron - ao final do livro de poemas Mazeppa, o que deixou o escritor furioso.

John William Polidori também não terminou sua história... segundo Mary Shelley ele estava trabalhando em uma "péssima idéia sobre uma mulher com rosto de caveira". Porém mais tarde ele acabou usando o conto A Fragment de Lord Byron como base para seu próprio conto, The Vampyre, publicado em 1819 e tido como a primeira história moderna de vampiros publicada em inglês. Aliás, pode-se dizer que Polidori é o criador do gênero vampiro romântico, e por exemplo, o famoso livro Drácula do irlandês Bram Stoker, só seria escrito muito tempo depois, em 1897. Alguns conceitos usados em Drácula, como de um vampiro sendo um nobre aristocrata e com poderes para seduzir mulheres, vieram de The Vampyre.

Villa Diodati dos dias de hoje

E, claro, a obra mais famosa que nasceu desta noite foi Frankenstein ou o Prometeu Moderno, de Mary Shelley, da qual inclusive já escrevi aqui no Cinema Vírgula. Diz a lenda que Mary foi quem mais estava com dificuldade para escrever seu conto, e ao ouvir uma conversa em que Percy estava tendo com Polidori sobre "a natureza do princípio da vida", ela começou a pensar em coisas como reanimar corpos através do galvanismo, e do quão assustador seria o ser humano querer reproduzir um mecanismo do Criador: nasciam aí as primeiras idéias para Frankenstein.

Mary Shelley encerraria sua passagem pela Villa Diodati finalizando o pequeno conto que viria a ser o precursor do livro Frankenstein publicado em 1818. Quando o livro foi publicado, não apenas estávamos diante da estréia de Mary como escritora, mas ela também tinha apenas 19 anos. Frankenstein ou o Prometeu Moderno acabou passando por algumas revisões, e a terceira edição do livro, publicada em 1831, é considerada a definitiva. Frankenstein é considerado por muitos o primeiro livro moderno de ficção científica, além de trazer outros conceitos incomuns, como por exemplo, no "duelo" entre homem e criatura, também mostrar o ponto de vista da criatura.

Como se pode concluir, a fria e chuvosa noite em que Lord Byron instigou seus amigos a escrever contos de terror por "diversão", acabou mudando em muito os rumos da literatura de terror e ficção científica. Que tal se você reunir seus amigos e propor um desafio similar? Nunca se sabe quando iremos revolucionar os rumos da História novamente...



PS: Já viu as outras curiosidades do Cinema Vírgula? É só clicar aqui!

quarta-feira, 26 de março de 2025

Conheça Frieren, Anime de fantasia medieval que acaba de estrear na Netflix e é (um justo) sucesso mundial


Estreou na Netflix neste 1º de Março a primeira temporada completa do Anime Frieren e a Jornada para o Além. Trata-se da adaptação para TV do mangá Sōsō no Frieren, escrito por Kanehito Yamada e ilustrado por Tsukasa Abe, que começou a ser publicado em 2020 e continua em andamento. O Anime já está disponível há um tempo para os brasileiros via Crunchyroll, porém, espera-se que com a chegada na Netflix ele se torne bem mais conhecido... o que seria ótimo e merecido, afinal, Frieren e a Jornada para o Além CERTAMENTE se encontra entre um dos melhores Mangás / Animes surgidos nos últimos dez anos.

A história de Frieren e a Jornada para o Além começa pelo... "fim", e na primeira cena temos um quarteto de aventureiros retornando vitoriosos para uma cidade após derrotarem o Rei Demônio - o "chefão final" deste mundo - após uma difícil campanha que durou 10 anos. O grupo é formado pela Maga elfa Frieren que dá nome à série, o Herói humano Himmel, o Sacerdote Heiter e o Guerreiro anão Eisen.

Pouco tempo depois a história já dá um salto temporal de 50 anos(!), onde os 4 personagens se reencontram. Nele vemos uma Frieren um pouco perdida, sem propósito... afinal, já tinha cumprido sua grande missão. E então outra coisa acontece: dias depois do reencontro, Himmel morre, e durante o funeral Frieren tem uma reação inesperada: ela chora em desespero por não tê-lo conhecido direito.

Como a própria história explica, o que para nós humanos são longos 10 anos, para uma elfa milenar não são nada. Além de toda a parte de aventuras e batalhas típicas de uma fantasia medieval, Frieren é uma profunda análise sobre a passagem do tempo, a sobrevivência da humanidade, a finitude da vida, e as relações entre pessoas.

Os 4 "iniciais": a Maga Frieren,o Sacerdote Heiter, o Herói Himmel e o Guerreiro Eisen

Quando o segundo episódio começa, mais de 20 anos se passaram(!), e após mais alguns outros eventos, Frieren acaba aceitando uma nova missão (não vou falar qual para não dar spoilers), que lhe "obriga" a repetir a jornada que percorreu quase oito décadas atrás, quando ela e seus antigos companheiros venceram o Rei Demônio. Nesta nova aventura, a maga acaba levando mais dois acompanhantes: sua própria discípula, a jovem maga humana Fern; e Stark, um jovem humano guerreiro, aluno de Eisen. Você pode ver Frieren, Fern e Stark na imagem título deste artigo.

Ao longo de suas viagens, Frieren vai relembrando e (re)valorizando tudo o que passou com seus amigos da formação original. O Anime é bem lento, contemplativo. Não há muitas batalhas, mas elas existem. E conforme a história avança, elas ficam mais recorrentes. Já assisti metade da primeira temporada (que é formada de 28 episódios), e tenho gostado muito. As lutas que já vi, ainda que curtas, foram todas bem impressionantes, de "explodir a cabeça".

Curioso que como o "último chefão" já morreu antes da história começar, não há um desafio épico final, e então parece que temos uma sucessão de missões episódicas para cumprir e ganhar experiência, como se fossem encontros de partidas de RPG que você faz com seus amigos em uma campanha. E ainda assim, apesar de todas essas camadas de aventura e fantasia, reitero que o melhor de Frieren está nas reflexões e momentos de emoção que ela provoca.

E a emoção não ocorre somente pela trama em que todos os personagens se envolvem. Há também um encantamento especial com Frieren... delicada, diferente e fascinante: uma maga muito muito poderosa e sábia, mas que ainda assim tem um pouco de dificuldade de compreender os humanos.

Para quem gosta de animes, mangás, RPG, aventuras medievais, ou simplesmente uma boa reflexão sobre a vida, Frieren leva a minha mais alta recomendação. Te convenci a assistir Frieren? Ainda não? Vou para um último argumento: neste momento o anime se encontra com a nota máxima de 100% no Rotten Tomatoes

Para felicidade dos fãs, a segunda temporada já está sendo finalizada, e já foi anunciada para Janeiro de 2026. A primeira e única temporada que existe até agora equivale aos 60 primeiros capítulos do mangá. A expectativa é que a segunda temporada adapte os próximos 60 (e o mangá está atualmente no capítulo 137). Aí só resta saber quanto tempo levarão para lançarem aqui no Brasil...

Na falta de um trailer em português para Frieren na Netflix, segue o da Crunchyroll Brasil. Confiram!



segunda-feira, 24 de março de 2025

Curiosidades Cinema Vírgula #038 - Sabia que J. Peterman é uma pessoa real e foi "substituído" pelo ator que o interpretou?

Demorou um pouco, mas após 37 artigos de curiosidades, chegou a vez de eu trazer algo sobre minha sitcom favorita - e melhor de todos os tempos - Seinfeld.

Um dos principais atributos de Seinfeld é seu grande elenco de personagens coadjuvantes... digamos... pitorescos. E um deles era o empresário e "aventureiro" J. Peterman, interpretado pelo ator a John O'Hurley. Na imagem acima, podemos vê-lo em ação na série, ao lado da personagem Elaine (a engraçadíssima Julia Louis-Dreyfus).

O que nem todos sabem é que J. Peterman e sua empresa existem na vida real. Na verdade, tudo era muito similar à realidade, com a mínima alteração de que o personagem da ficção se chamava Jacopo Peterman, sendo que o verdadeiro J. Peterman se chama John Peterman.

A J. Peterman Company real é uma empresa fundada em 1987 que vende roupas, acessórios de moda e móveis. Inicialmente - e principalmente - suas vendas são por meio de catálogos. Por exemplo, foi apenas em Dezembro de 1992 que a empresa abriu sua primeira loja física. Em seu auge, nos anos 90, os catálogos eram revistas impressas, que posteriormente também passaram a ser publicadas na Internet via seu site oficial, jpeterman.com.

E exatamente assim como na série de Seinfeld, os catálogos de J. Peterman eram bem... curiosos. Os itens à venda não eram simplesmente exibidos: cada um deles possuía sua própria história, uma descrição e / ou narrativa (as vezes em primeira pessoa) em um estilo bem literário, sempre ecoando um modo de vida luxuoso e que também remetia a filmes e tempos antigos.

Páginas de um catálogo real da J. Peterman Company, do ano de 2004. Veja mais duas páginas desta edição no final deste artigo

Outra curiosidade, é que mesmo tendo produtos (obviamente) reais, não eram exibidas fotos deles, e sim desenhos. Segundo o próprio J. Peterman, o motivo para esta escolha é o "romance"... "É a diferença entre descrever amor e estar apaixonado.".

A existência de uma empresa tão peculiar no mundo real chamou a atenção dos criadores de Seinfeld: os comediantes Jerry Seinfeld e Larry David, e eles decidiram então trazer um J. Peterman para o seriado. A versão do empresário que eles bolaram para a série era como se ele vivesse de acordo com as narrativas de seu catálogo, sendo então uma pessoa elegante, de vocabulário e roupas antigas, metido a aventureiro... também um pouco inocente e deslocado da realidade.

Curiosamente, os produtores de Seinfeld nunca pediram permissão para J. Peterman em parodiá-lo. Porém, após a primeira aparição do personagem, os advogados da série entraram em contato e fizeram um acordo para que a equipe de Seinfeld passasse a enviar para Peterman os roteiros com antecedência, para alguma eventual revisão. Mas ele nunca pediu para alterar nada. No fundo, a exposição da marca no seriado acabou sendo boa para a J. Peterman Company, sendo que seu faturamento anual, que era de US$15 milhões, chegou a alcançar o topo de US$75 milhões após as exibições no programa.

Apesar das vendas crescentes, a J. Peterman calculou muito mal a expansão de sua empresa, e contraiu dívidas para abrir 10 enormes novas físicas em grandes cidades dos EUA em 1998. Deu tudo errado. No ano seguinte, abriu pedido de falência... A J. Peterman Company até foi comprada pela Paul Harris Stores em 1999 por US$ 10 milhões, mas esta também faliria em 2000. E isto seria seu fim.

John O'Hurley ao lado do verdadeiro J. Peterman (à dir)

E agora chegamos à parte onde realidade e ficção conseguiram se misturar ainda mais! Curiosamente, ao longo dos anos, o ator John O'Hurley havia se tornado um amigo próximo de John Peterman na vida real. Em 2001, Peterman conseguiu de volta os direitos do nome da sua marca, e então perguntou a O'Hurley se ele tinha interesse em ajudá-lo a reviver sua companhia. O ator topou o negócio e, junto com um grupo de investidores, ele e Peterman ressuscitaram a J. Peterman Company.

Desde então, John O'Hurley é um dos acionistas da J. Peterman Company e também faz parte de sua diretoria. E os famosos catálogos continuam sendo publicados online. No vídeo abaixo, em inglês, o ator (e agora empresário) conta brevemente a história que descrevi acima e brinca no final que, quando ele e John Peterman saem juntos em público, quando alguém grita por "J. Peterman" em direção a eles, claramente está se dirigindo a ele O'Hurley, em um espantoso e real caso de "roubo" de identidade.



PS: Já viu as outras curiosidades do Cinema Vírgula? É só clicar aqui!


segunda-feira, 17 de março de 2025

Curiosidades Cinema Vírgula #037 - Goku, Super Saiyajins e os mascotes da SEGA


Os mascotes da SEGA se associam bem mais com o anime / mangá mundialmente famoso Dragon Ball, de Akira Toriyama, do que o público em geral conhece. Vamos saber mais detalhes desta história.

Quando o jogo Alex Kidd in Miracle World começou a ser desenvolvido em 1984, ele era na verdade um jogo licenciado baseado na série de mangá Dragon Ball. Porém já no começo do desenvolvimento a licença de Dragon Ball expirou, a SEGA não conseguiu renovação, e então os programadores tiveram que "recomeçar" o jogo do zero. Ou mais ou menos isso...

Alex Kidd vs Goku

Como se pode ver, agora que sabemos dessa informação, podemos desconfiar que algumas coisas foram mantidas. Por exemplo o personagem Alex Kidd: assim como Goku criança, sua roupa é um macacão laranja / vermelho com detalhes azuis. Além disso, o formato do seu corpo é bem parecido: cabeça grande, orelhas grandes...

Outros elementos parecem terem sido reaproveitados. Na imagem abaixo da versão final de Alex Kidd in Miracle World, teríamos o que originalmente seria o vilão Oolong transformado em touro. Notem também a semelhança das casas que vemos no jogo com as casas do universo de Dragon Ball (imagem em close). As disputas de jokenpô, mecanismo clássico dos jogos de Alex, também seriam uma característica herdada do mangá, já que Goku as utiliza em suas primeiras batalhas.


Alex Kidd in Miracle World foi lançado em 1986, e seu protagonista Alex Kidd acabou se tornando o mascote oficial da SEGA durante toda a Terceira Geração de Consoles de Videogames. Sua relação com Dragon Ball acabou sendo conhecida apenas décadas depois.

Porém a associação do mascote seguinte da SEGA com a obra máxima de Akira Toriyama seria mais explícita...


O Sonic Super Saiyajin!

Eram novos tempos: a SEGA entrava com tudo na Quarta Geração de Consoles com seu novo videogame, o Mega Drive, e para bater de frente com a poderosa Nintendo, quis também investir em um novo mascote para a empresa: menos infantil, mais moderno e "ousado". Nascia então em 1991, Sonic the Hedgehog.

E demoraria apenas mais um ano para que a SEGA fizesse uma grande homenagem a Dragon Ball em seus videogames. Seria em Sonic the Hedgehog 2, lançado para o Mega Drive em 1992.

Como partes essenciais da mitologia de Dragon Ball temos que uma das mais recorrentes missões dos personagens é reunir as SETE Esferas do Dragão. Além disto, os heróis principais, conforme foram evoluindo, aprenderam a evoluir para um estágio máximo de poder: os Super Saiyajins, que é quando eles ficam de cabelo loiro e espetado, e o corpo envolvido por uma luz dourada.

Pois bem: há um código secreto muito poderoso em Sonic the Hedgehog 2. Escondidas, dentro das fases da Emerald Hill Zone, existem 7 fases bônus (que podem ser vistas no vídeo acima), e ao terminar cada uma delas, você recebe uma Esmeralda do Caos. E ao reunir as SETE Esmeraldas do Caos, você consegue habilitar o poder do Super Sonic, cujo visual é idêntico ao dos Super Saiyajins (veja a imagem título deste artigo, lá em cima)! A "inspiração" da obra de Toriyama é evidente, e admitida pelos desenvolvedores da SEGA.

Uma vez que você tem este modo ativado, o primeiro pulo que você der com o Sonic após coletar 50 ou mais anéis, irá se transformar no Super Sonic. É vantajoso coletar o maior número de anéis possível antes da transformação já que ela consome um anel por segundo, até se encerrar. No modo Super Sonic, o personagem pode voar, fica invulnerável e indestrutível.


Divirta-se você também jogando com o Super Sonic

O Super Sonic foi além do Sonic the Hedgehog 2 e virou parte importante da franquia do Ouriço, sendo incorporado na maioria dos jogos posteriores do Sonic. Abaixo temos um vídeo mostrando a transformação de Super Sonic nos jogos Sonic the Hedgehog 2, Sonic the Hedgehog 3 & Knuckles (Mega Drive - 1994) e Sonic Mania (Oitava Geração de Consoles - 2017).

Se você quer jogar "hoje" com um Super Sonic é fácil... ele continua presente nos jogos atuais do Sonic, e as vezes até com um destaque maior do que tinha antigamente. Por exemplo, em Sonic Frontiers (2022), disponível para Nintendo Switch, PC, PlayStation 4 e 5, Xbox One, Xbox Series X e S, dá pra se sentir um verdadeiro Super Saiyajin com ele, com direito até a golpes similares a um Kamehameha. Neste jogo coletar as Esmeraldas não é "opcional", faz parte da trama principal: você precisa delas para se transformar no Super Sonic e só assim conseguir derrotar os Titãs, chefões gigantes que são os inimigos mais fortes do game.

Agora, se você quiser jogar com o Super Sonic original do Sonic the Hedgehog 2, tire seu Mega Drive da poeira (ou use algum Emulador), e ao invés de sofrer com o hercúleo trabalho de coletar as 7 Esmeraldas do Caos, ouse o código a seguir:

Na tela inicial, entre em "Options" e no Sound Select, ouça as trilhas: 19, 65, 09, 17. Depois, aperte o botão "C" e "Start", para voltar para a tela inicial. Quando Sonic e Tails começarem a aparecer na tela, aperte e segure o botão "A" e depois, aperte "Start" ainda segurando o botão "A". Se você fez tudo certo, vai cair em uma tela para Seleção de Fases. Dentro desta tela de Seleção de Fases, novamente vá para a parte de "Sound Test" e agora clique para ouvir as seguintes trilhas: 04, 01, 02, 06. Ao terminar o processo, uma música característica vai soar, indicando que o truque deu certo. Ai, basta clicar "Start" escolhendo uma das fases e seguir para o jogo normalmente.

Lutando com o Super Sonic contra um Titan do Sonic Frontiers



PS: Já viu as outras curiosidades do Cinema Vírgula? Toda segunda-feira tem uma nova! É só clicar aqui!

Crítica - Missão: Impossível - Acerto de Contas - Parte Um (2023)

Título : Missão: Impossível - Acerto de Contas - Parte Um ("Mission: Impossible - Dead Reckoning Part One", EUA, 2023) Diretor : C...