Curiosidades Cinema Vírgula #038 - Sabia que J. Peterman é uma pessoa real e foi "substituído" pelo ator que o interpretou?

Demorou um pouco, mas após 37 artigos de curiosidades, chegou a vez de eu trazer algo sobre minha sitcom favorita - e melhor de todos os tempos - Seinfeld.

Um dos principais atributos de Seinfeld é seu grande elenco de personagens coadjuvantes... digamos... pitorescos. E um deles era o empresário e "aventureiro" J. Peterman, interpretado pelo ator a John O'Hurley. Na imagem acima, podemos vê-lo em ação na série, ao lado da personagem Elaine (a engraçadíssima Julia Louis-Dreyfus).

O que nem todos sabem é que J. Peterman e sua empresa existem na vida real. Na verdade, tudo era muito similar à realidade, com a mínima alteração de que o personagem da ficção se chamava Jacopo Peterman, sendo que o verdadeiro J. Peterman se chama John Peterman.

A J. Peterman Company real é uma empresa fundada em 1987 que vende roupas, acessórios de moda e móveis. Inicialmente - e principalmente - suas vendas são por meio de catálogos. Por exemplo, foi apenas em Dezembro de 1992 que a empresa abriu sua primeira loja física. Em seu auge, nos anos 90, os catálogos eram revistas impressas, que posteriormente também passaram a ser publicadas na Internet via seu site oficial, jpeterman.com.

E exatamente assim como na série de Seinfeld, os catálogos de J. Peterman eram bem... curiosos. Os itens à venda não eram simplesmente exibidos: cada um deles possuía sua própria história, uma descrição e / ou narrativa (as vezes em primeira pessoa) em um estilo bem literário, sempre ecoando um modo de vida luxuoso e que também remetia a filmes e tempos antigos.

Páginas de um catálogo real da J. Peterman Company, do ano de 2004. Veja mais duas páginas desta edição no final deste artigo

Outra curiosidade, é que mesmo tendo produtos (obviamente) reais, não eram exibidas fotos deles, e sim desenhos. Segundo o próprio J. Peterman, o motivo para esta escolha é o "romance"... "É a diferença entre descrever amor e estar apaixonado.".

A existência de uma empresa tão peculiar no mundo real chamou a atenção dos criadores de Seinfeld: os comediantes Jerry Seinfeld e Larry David, e eles decidiram então trazer um J. Peterman para o seriado. A versão do empresário que eles bolaram para a série era como se ele vivesse de acordo com as narrativas de seu catálogo, sendo então uma pessoa elegante, de vocabulário e roupas antigas, metido a aventureiro... também um pouco inocente e deslocado da realidade.

Curiosamente, os produtores de Seinfeld nunca pediram permissão para J. Peterman em parodiá-lo. Porém, após a primeira aparição do personagem, os advogados da série entraram em contato e fizeram um acordo para que a equipe de Seinfeld passasse a enviar para Peterman os roteiros com antecedência, para alguma eventual revisão. Mas ele nunca pediu para alterar nada. No fundo, a exposição da marca no seriado acabou sendo boa para a J. Peterman Company, sendo que seu faturamento anual, que era de US$15 milhões, chegou a alcançar o topo de US$75 milhões após as exibições no programa.

Apesar das vendas crescentes, a J. Peterman calculou muito mal a expansão de sua empresa, e contraiu dívidas para abrir 10 enormes novas físicas em grandes cidades dos EUA em 1998. Deu tudo errado. No ano seguinte, abriu pedido de falência... A J. Peterman Company até foi comprada pela Paul Harris Stores em 1999 por US$ 10 milhões, mas esta também faliria em 2000. E isto seria seu fim.

John O'Hurley ao lado do verdadeiro J. Peterman (à dir)

E agora chegamos à parte onde realidade e ficção conseguiram se misturar ainda mais! Curiosamente, ao longo dos anos, o ator John O'Hurley havia se tornado um amigo próximo de John Peterman na vida real. Em 2001, Peterman conseguiu de volta os direitos do nome da sua marca, e então perguntou a O'Hurley se ele tinha interesse em ajudá-lo a reviver sua companhia. O ator topou o negócio e, junto com um grupo de investidores, ele e Peterman ressuscitaram a J. Peterman Company.

Desde então, John O'Hurley é um dos acionistas da J. Peterman Company e também faz parte de sua diretoria. E os famosos catálogos continuam sendo publicados online. No vídeo abaixo, em inglês, o ator (e agora empresário) conta brevemente a história que descrevi acima e brinca no final que, quando ele e John Peterman saem juntos em público, quando alguém grita por "J. Peterman" em direção a eles, claramente está se dirigindo a ele O'Hurley, em um espantoso e real caso de "roubo" de identidade.

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Curiosidades Cinema Vírgula #037 - Goku, Super Saiyajins e os mascotes da SEGA

Os mascotes da SEGA se associam bem mais com o anime / mangá mundialmente famoso Dragon Ball, de Akira Toriyama, do que o público em geral conhece. Vamos saber mais detalhes desta história.

Quando o jogo Alex Kidd in Miracle World começou a ser desenvolvido em 1984, ele era na verdade um jogo licenciado baseado na série de mangá Dragon Ball. Porém já no começo do desenvolvimento a licença de Dragon Ball expirou, a SEGA não conseguiu renovação, e então os programadores tiveram que "recomeçar" o jogo do zero. Ou mais ou menos isso...

Alex Kidd vs Goku

Como se pode ver, agora que sabemos dessa informação, podemos desconfiar que algumas coisas foram mantidas. Por exemplo o personagem Alex Kidd: assim como Goku criança, sua roupa é um macacão laranja / vermelho com detalhes azuis. Além disso, o formato do seu corpo é bem parecido: cabeça grande, orelhas grandes...

Outros elementos parecem terem sido reaproveitados. Na imagem abaixo da versão final de Alex Kidd in Miracle World, teríamos o que originalmente seria o vilão Oolong transformado em touro. Notem também a semelhança das casas que vemos no jogo com as casas do universo de Dragon Ball (imagem em close). As disputas de jokenpô, mecanismo clássico dos jogos de Alex, também seriam uma característica herdada do mangá, já que Goku as utiliza em suas primeiras batalhas.

Alex Kidd in Miracle World foi lançado em 1986, e seu protagonista Alex Kidd acabou se tornando o mascote oficial da SEGA durante toda a Terceira Geração de Consoles de Videogames. Sua relação com Dragon Ball acabou sendo conhecida apenas décadas depois.

Porém a associação do mascote seguinte da SEGA com a obra máxima de Akira Toriyama seria mais explícita...

O Sonic Super Saiyajin!

Eram novos tempos: a SEGA entrava com tudo na Quarta Geração de Consoles com seu novo videogame, o Mega Drive, e para bater de frente com a poderosa Nintendo, quis também investir em um novo mascote para a empresa: menos infantil, mais moderno e "ousado". Nascia então em 1991, Sonic the Hedgehog.

E demoraria apenas mais um ano para que a SEGA fizesse uma grande homenagem a Dragon Ball em seus videogames. Seria em Sonic the Hedgehog 2, lançado para o Mega Drive em 1992.

Como partes essenciais da mitologia de Dragon Ball temos que uma das mais recorrentes missões dos personagens é reunir as SETE Esferas do Dragão. Além disto, os heróis principais, conforme foram evoluindo, aprenderam a evoluir para um estágio máximo de poder: os Super Saiyajins, que é quando eles ficam de cabelo loiro e espetado, e o corpo envolvido por uma luz dourada.

Pois bem: há um código secreto muito poderoso em Sonic the Hedgehog 2. Escondidas, dentro das fases da Emerald Hill Zone, existem 7 fases bônus (que podem ser vistas no vídeo acima), e ao terminar cada uma delas, você recebe uma Esmeralda do Caos. E ao reunir as SETE Esmeraldas do Caos, você consegue habilitar o poder do Super Sonic, cujo visual é idêntico ao dos Super Saiyajins (veja a imagem título deste artigo, lá em cima)! A "inspiração" da obra de Toriyama é evidente, e admitida pelos desenvolvedores da SEGA.

Uma vez que você tem este modo ativado, o primeiro pulo que você der com o Sonic após coletar 50 ou mais anéis, irá se transformar no Super Sonic. É vantajoso coletar o maior número de anéis possível antes da transformação já que ela consome um anel por segundo, até se encerrar. No modo Super Sonic, o personagem pode voar, fica invulnerável e indestrutível.

Divirta-se você também jogando com o Super Sonic

O Super Sonic foi além do Sonic the Hedgehog 2 e virou parte importante da franquia do Ouriço, sendo incorporado na maioria dos jogos posteriores do Sonic. Abaixo temos um vídeo mostrando a transformação de Super Sonic nos jogos Sonic the Hedgehog 2, Sonic the Hedgehog 3 & Knuckles (Mega Drive - 1994) e Sonic Mania (Oitava Geração de Consoles - 2017).

Se você quer jogar "hoje" com um Super Sonic é fácil... ele continua presente nos jogos atuais do Sonic, e as vezes até com um destaque maior do que tinha antigamente. Por exemplo, em Sonic Frontiers (2022), disponível para Nintendo Switch, PC, PlayStation 4 e 5, Xbox One, Xbox Series X e S, dá pra se sentir um verdadeiro Super Saiyajin com ele, com direito até a golpes similares a um Kamehameha. Neste jogo coletar as Esmeraldas não é "opcional", faz parte da trama principal: você precisa delas para se transformar no Super Sonic e só assim conseguir derrotar os Titãs, chefões gigantes que são os inimigos mais fortes do game.

Agora, se você quiser jogar com o Super Sonic original do Sonic the Hedgehog 2, tire seu Mega Drive da poeira (ou use algum Emulador), e ao invés de sofrer com o hercúleo trabalho de coletar as 7 Esmeraldas do Caos, ouse o código a seguir:

Na tela inicial, entre em "Options" e no Sound Select, ouça as trilhas: 19, 65, 09, 17. Depois, aperte o botão "C" e "Start", para voltar para a tela inicial. Quando Sonic e Tails começarem a aparecer na tela, aperte e segure o botão "A" e depois, aperte "Start" ainda segurando o botão "A". Se você fez tudo certo, vai cair em uma tela para Seleção de Fases. Dentro desta tela de Seleção de Fases, novamente vá para a parte de "Sound Test" e agora clique para ouvir as seguintes trilhas: 04, 01, 02, 06. Ao terminar o processo, uma música característica vai soar, indicando que o truque deu certo. Ai, basta clicar "Start" escolhendo uma das fases e seguir para o jogo normalmente.

Lutando com o Super Sonic contra um Titan do Sonic Frontiers

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Curiosidades Cinema Vírgula #036 - Sabiam que a "espada de Excalibur" existe na vida real?

Um dos temas bastante comuns da literatura medieval européia foram os Contos do Rei Arthur, ou melhor dizendo, as histórias do Ciclo Arturiano. E, quase tão famosa quanto este mítico personagem, há também a sua espada Excalibur, a qual às vezes são atribuídos poderes mágicos, e que também, na maioria das vezes está associada à soberania legítima da Grã-Bretanha.

Ainda sobre a Excalibur, há duas versões sobre sua origem. Uma dela, mais tardia (meados do Séc. 13), diz que Arthur a recebeu de presente da Dama do Lago, uma fada (ou se preferir, bruxa) de nome Viviane (ou se preferir, Nimue), sendo uma esta uma espada mágica e indestrutível forjada na mítica ilha de Avalon. Outra, diz que a espada ficava encravada em uma pedra, e que ninguém conseguia tirá-la de lá. E apenas quem merecesse ser o "verdadeiro Rei da Inglaterra" conseguiria realizar a façanha. Então um Arthur ainda jovem tentou removê-la da pedra e o fez com facilidade, tornando-se Rei. A primeira referência desta versão é de um poema francês de 1200, onde Arthur retira uma espada de uma bigorna que está em uma pedra de um cemitério de uma igreja.

Esta segunda explicação para a origem inspirou, por exemplo, a criação do livro infanto-juvenil The Sword in the Stone (1938) do escritor britânico T. H. White, que por sua vez foi adaptada em 1963 pela Disney em um filme de animação chamado A Espada Era a Lei, que é de onde tiro a imagem-título acima. Quem ainda não viu esse desenho, recomendo muito. Além de divertidíssimo, tem uma das batalhas mágicas mais épicas da história, entre o Mago Merlin e a Madame Min.

Galgano Guidotti e a "Excalibur" real

A "Espada na Pedra" do mundo real

E para quem pensa que o conto da "Espada na Pedra" é 100% fábula, vamos para o que é hoje o pequeno município de Chiusdino, na região italiana da Toscana.

Em 1148 nascia Galgano Guidotti, filho de um senhor feudal, e que na vida adulta era um cavaleiro impiedoso que também vivia uma vida, digamos... impura. Até que, segundo a lenda, por volta de 1180, ele começou a ter sonhos com Arcanjo Miguel, que lhe dizia para mudar de vida. Em um sonho em específico, Miguel o levou à colina de Montesiepi, e disse para Guidotti construir uma casa para a glória de Deus, desistir de suas posses mundanas e viver como um eremita.

Ainda no sonho, Guidotti retrucou dizendo que isso seria tão difícil quanto cortar uma pedra com sua espada, e para "provar" seu ponto, resolveu cortar uma pedra ao seu lado. Porém sua espada cortou a pedra como se fosse manteiga.

Continuando a história contada pela tradição local, dias depois Guidotti estava cavalgando, e seu cavalo passou a recusar suas ordens e acabou o levando à Montesiepi, ou seja, onde as imagens do seu sonho ocorreram. Entendendo como um sinal divino, um comovido Galgano quis colocar uma cruz no local. Porém ele não tinha uma cruz com ele e, em vez disso, mergulhou sua espada em uma pedra próxima. A espada, que deslizou dentro da pedra facilmente, ficou com a maior parte da lâmina enfincada, e com isto o que restou para fora da pedra ficou parecendo uma cruz.

Para decepção de sua família, Galgano Guidotti viveu o resto de sua curta vida (ele morreu em 1181) como um eremita e dedicado a Deus, conforme os sonhos lhe haviam pedido. Em 1185 o Papa Lúcio III santificou o homem (desde então São Galgano) e uma capela redonda foi construída em volta da espada para preservá-la, onde ela está até hoje.

Cappella di San Galgano a Montesiepi

Também dizem as lendas que muitos tentaram retirar a espada de Galgano da pedra, e não conseguiram. E que entre sua morte e a construção da capela, um ladrão tentou roubar a espada mas foi completamente devorado por lobos, sobrando-lhe apenas as mãos e braços. Os ossos da mãos e braços do "ladrão" também se encontram conservadas dentro da Capela de Montesiepi.

A Ciência não pode comprovar estes relatos lendários, mas as análises feitas em 2001 por cientistas da Universidade de Pavia atestam que tanto a espada como os ossos são de fato do Século 12, ou seja, estão de acordo com a época vivida por Galgano Guidotti.

Também não é possível afirmar que há uma relação entre a lenda Arturiana da espada de Excalibur e a história de São Galgano. Entretanto, os primeiros textos em que a Excalibur aparece como sendo retirada de uma pedra, aparecem apenas algumas décadas depois da morte de Galgano Guidotti. Portanto, dá para desconfiar que isto não seja apenas "coincidência".

Galgano Guidotti e sua espada em detalhe

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Curiosidades Cinema Vírgula #035 - Conheça quais são as grandes premiações internacionais do Cinema e quais filmes brasileiros já brilharam nelas!

É isso! O Brasil acaba de levar seu primeiro Oscar! E isso aconteceu ontem, graças ao Oscar de Melhor Filme Internacional para Ainda Estou Aqui! Portanto nada mais justo este artigo temático! ;)

Antes do evento de ontem, o Cinema Brasileiro já havia brilhado muitas outras vezes ao redor do mundo ao longo de sua história! Abaixo você vai saber quais são as maiores premiações internacionais do Cinema além do Oscar, e todos os filmes brasileiros que já venceram seus respectivos prêmios máximos. Isso é apenas uma amostra do nosso potencial como indústria cinematográfica.

Palma de Ouro (Festival de Cannes)

Provavelmente o segundo maior prêmio do mundo do Cinema, a Palma de Ouro é entregue em Cannes, na França. O Festival de Cannes se iniciou em 1946, sendo que seu prêmio máximo de "melhor filme", a Palma de Ouro, começou a ser entregue em 1955. O primeiro e único filme brasileiro a vencer este prêmio é o Pagador de Promessas, de 1962, escrito e dirigido por Anselmo Duarte, filme este que também foi o primeiro a ser indicado ao Oscar de Melhor Filme Internacional.

Curiosidade: a primeira edição deste Festival era para acontecer em 1939, inclusive tendo Louis Lumière como presidente. O Festival inclusive chegou a ter a primeira noite de eventos, porém no dia seguinte, em 01 de Setembro, a Alemanha invadiu a Polônia, e a programação então foi adiada... depois cancelada... com o Festival de Cannes retornando apenas décadas depois.

Leão de Ouro (Festival de Veneza)

O Festival Internacional de Veneza é o festival de Cinema em vigor mais antigo do mundo, sendo iniciado em 1932. Já seu prêmio máximo de "melhor filme", o Leão de Ouro, passou a ser entregue a partir de 1949. O Brasil nunca conseguiu levar um Leão de Ouro para casa, mas em 1981, o filme Eles Não Usam Black-tie, de Leon Hirszman e Gianfrancesco Guarnieri venceu o Grande Prêmio do Júri, que é o segundo prêmio mais importante do evento, logo abaixo do Leão de Ouro. É a única premiação do Festival de Veneza levada por brasileiros até hoje.

Curiosidade: a origem do Festival de Veneza não é "muito bacana", já que ele foi criado por empresário e político Giuseppe Volpi para desenvolver o cinema Italiano e... ajudar a promover o governo Fascista em vigor na época.

Urso de Ouro (Festival de Berlim)

Encerrando a trinca dos "Grandes Festivais" (que junto com Cannes e Veneza, formam o trio de festivais mais importantes da Europa), este festival, também apelidado de Berlinale, ocorre desde 1951. Seu prêmio máximo, o Urso de Ouro, está presente desde o início do festival, e o Brasil já levou ele duas vezes! A primeira com Central do Brasil, de Walter Salles, em 1998, e o segundo com Tropa de Elite, de José Padilha, em 2008.

Curiosidade: assim como nos festivais de Cannes e Veneza, o Festival de Berlim tem convidado nas últimas décadas, personalidades da indústria cinematográfica de nacionalidades diversas para seu júri. Sua "diferença" é ser considerado mais diversificado e politizado que os outros dois. Por exemplo para ser presidente do Júri, já tivemos recentemente a britânica Tilda Swinton, a italiana Isabella Rossellini, os estadunidenses M. Night Shyamalan, Meryl Streep e Kristen Stewart.

Globo de Ouro

Encerrando a minha lista de maiores premiações internacionais do Cinema, chego ao Globo de Ouro, segunda maior premiação estadunidense. Que aliás, é uma premiação bem diferente das outras. Primeiro, porque ela é dada pela Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood, ou seja, são jornalistas estrangeiros que fazem especificamente a cobertura de notícias de Los Angeles para o mundo. Segundo que é uma premiação que premia Cinema e TV... e terceiro, que eles separam as premiações de Cinema em duas categorias: temos os filmes "de Drama", e os filmes "de Comédia ou Musical".

O evento existe desde 1944, e seu(s) prêmio(s) máximo(s) são o Globo de Ouro para Melhor Filme de Drama, e Globo de Ouro para Melhor Filme de Comédia ou Musical. O Brasil nunca levou nenhum destes prêmios, mas já levou dois Globos de Ouro pra casa. Em 1998, Central do Brasil com Fernanda Montenegro venceu o Globo de Ouro de Melhor Filme em Língua Estrangeira. E agora mesmo, na mais recente edição de 2024, sua filha Fernanda Torres levou o Globo de Ouro de Melhor Atriz em Filme Dramático. Na foto inicial do artigo podemos ver a atriz exibindo seu inédito troféu.

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Curiosidades Cinema Vírgula #034 - Akira Kurosawa e o Efeito Rashomon

O cineasta japonês Akira Kurosawa, um dos grandes nomes do Cinema de todos os tempos, é popularmente mais lembrado pelo seu filme Os Sete Samurais (1954), cuja história inclusive é frequentemente "copiada" por Hollywood (a última "cópia" famosa foram os recentes e PAVOROSOS filmes Rebel Moon de Zack Snyder).

Porém a lista de filmes de Kurosawa que marcaram a história do Cinema vai bastante além d"Os Sete Samurais", "Kagemusha, a Sombra de um Samurai" (1980) e "Ran" (1985) - o motivo de eu ter citado estes dois últimos é que eles completam a "trinca" de filmes mais premiados internacionalmente deste diretor.

Quero falar de Rashomon, de 1950, que foi tão revolucionário em termos de roteiro, que sua influência foi muito além do Cinema, como veremos a seguir.

Na história de Rashomon, que se passa no Japão medieval, temos o encontro de um lenhador, um sacerdote e um transeunte se abrigando de uma forte tempestade em um portão em ruínas. Dois deles foram testemunhas de um julgamento ocorrido dias atrás, de um bandido que teria assassinado um samurai e estuprado sua esposa. Eles acabam conversando sobre os depoimentos apresentados no julgamento, que foram três: o do bandido, o da mulher, e o do samurai (através de uma médium). Mas também ouvem um quarto depoimento, o do lenhador, que acaba confessando ter visto o crime. O curioso é que cada uma das 4 histórias possui diferenças bem relevantes entre elas.

De cara, Rashomon já traz características muito incomuns para a época, como por exemplo, contar sua história de forma não-linear. Além disto, em cada uma das quatro histórias, o comportamento de cada um dos personagens (e atores) é completamente diferente.

Mas a grande e mais revolucionária idéia do filme é que Rashomon se encerra sem dizer qual das quatro histórias é a "correta", o que faz com que tanto os personagens quanto os espectadores se despeçam frustrados e confusos.

E se pararmos para refletir no que estas contradições e frustrações significam... o quanto elas são tão presentes no mundo real... Se considerarmos tudo isso pra valer, será que é possível confiar verdadeiramente em qualquer pessoa?

O impacto Rashomon

Antes de Rashomon o mundo não dava muito atenção a filmes japoneses, porém a partir dele, tanto o Cinema Japonês como Akira Kurosawa passaram a ter relevância internacional. E por exemplo, já de cara o filme venceu o prêmio máximo do Festival de Veneza em 1951, o Leão de Ouro, e venceu também em 1952 o Oscar de Melhor Filme em Língua não-Inglesa.

Kurosawa

No cinema, são incontáveis os filmes que passaram a usar as idéias de Rashomon em seus roteiros. E isso em uma ou duas etapas: a primeira, mais óbvia e direta, é contar uma mesma história por pontos de vistas diferentes; e a segunda, é de encerrar filmes sem nos contar "a verdade", seja porque seu desfecho é ambíguo, múltiplo, aberto ou incompleto.

E não é só isso. O filme Rashomon foi tão revolucionário que passou a ser usado / citado / estudado em outras áreas da ciência humana, e até virou um termo: "Efeito Rashomon". Ele é estudado por exemplo na biologia, antropologia, filosofia e direito.

O "Efeito Rashomon" pode ser descrito como o modo em que as pessoas descrevem um mesmo evento de uma maneira diferente e contraditória, seja porque interpretam o mundo de modo diferente, e / ou descrevem em defesa de interesse próprio, ao invés de descrever uma verdade objetiva.

Como exemplos de filmes bem mais recentes que usam o "Efeito Rashomon" temos Herói (2002), Garota Exemplar (2014) e Anatomia de Uma Queda (2023), todos ótimos! Entretanto fica a ressalva que destes, apenas o último acaba se mantendo fiel ao não revelar uma "versão única e correta" em seu fim.

E vocês já tinham ouvido falar do "Efeito Rashomon"? E do filme? Se não o assistiram, fica a recomendação, mesmo sendo em branco e preto e feito na década de 50, está facilmente na minha lista de melhores filmes orientais que já assisti até hoje.

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Curiosidades Cinema Vírgula #033 - Conheça os dois prêmios Oscar que o Brasil "venceu" mas não levou

Daqui pouco menos de duas semanas, mais precisamente no Domingo dia 02 de Março, teremos a cerimônia de entrega do Oscars 2025, e nós brasileiros estamos na expectativa de, com as 3 Indicações conquistadas por Ainda Estou Aqui, ver o Brasil levar aquele que está sendo amplamente divulgado como sua primeira estatueta do Oscar.

Porém o que nem todos sabem é que há pelo menos duas estatuetas que não são consideradas vitórias brasileiras, mas poderiam... e a seguir comento sobre elas.

Em 1960, o filme Orfeu Negro (1959), que no Brasil também tem o nome de Orfeu do Carnaval, venceu o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. Aliás, o filme também venceu a Palma de Ouro (Festival de Cannes) de 1959 e o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro em 1960.

Vejam: estamos falando de um filme com atores brasileiros, falado em português, filmado no Brasil, com roteiro baseado em uma peça de Vinícius de Moraes, e de uma co-produção entre Brasil, França e Itália. Mas apesar de tudo isso, este Oscar é computado como tendo ido para a França, já que para as regras da época (e não só do Oscar, mas também nas de Cannes e do Globo de Ouro), o que valia era a nacionalidade do diretor do filme, que no caso, se tratava do francês Marcel Camus.

Hoje, as regras para o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro são outras. Cada país indica apenas um filme para a Academia, e um dos seus critérios de elegibilidade (que no caso também "comprova sua nacionalidade") é: "o país candidato deve confirmar que a produção artística do filme foi, em grande medida, realizada por cidadãos ou indivíduos residentes em seu país.". Já quanto a Orfeu, ele chegou a ter uma nova versão nos cinemas, de nome apenas Orfeu (1999), dirigido por Cacá Diegues, que faleceu semana passada, em 14 de fevereiro de 2025, aos 84 anos.

Já em 1993 Luciana Arrighi venceu o Oscar de Melhor Direção de Arte (que hoje tem o nome de Oscar de Melhor Design de Produção) pelo filme Retorno a Howards End (1992). Ela nasceu em 1940 na cidade do Rio de Janeiro e viveu no Brasil até os 2 anos de idade. Mas... não é brasileira.

Filha de um diplomata italiano com uma modelo australiana, ela tem a cidadania destes dois países, porém não tem a cidadania brasileira. Até poderia ter se o quisesse (as leis brasileiras lhe garantem este direito), mas não tem. Após sair do Brasil, Luciana passou sua infância na Austrália, e após se formar por lá, foi para a Europa, onde trabalhou e estudou em diversos países, trabalhando em filmes, na TV (pelo canal inglês BBC), teatro e ópera.

Por não ter cidadania brasileira e se considerar "australiana", o Oscar de Retorno a Howards End também não é "nosso". Luciana Arrighi também recebeu mais duas indicações ao Oscar de Melhor Direção de Arte, que no caso, acabou não vencendo. Foram pelos filmes Vestígios do Dia (1993) e Anna e o Rei (1999). Ainda viva e com seus 85 anos, você pode ver uma foto de Luciana no topo deste artigo.

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Curiosidades Cinema Vírgula #032 - Sabia que John Wick só existe graças a Eva Longoria?

Uma das mais bem sucedidas franquias de filmes de ação recentes é John Wick, estrelada pelo ator Keanu Reeves, que conta a história de um assassino lendário e aposentado mas que sempre, por um motivo ou outro, é "forçado" voltar ao submundo do crime e entrar em atividade.

Até agora já tivemos quatro filmes: John Wick: De Volta ao Jogo (2014), John Wick: Um Novo Dia para Matar (2017), John Wick 3: Parabellum (2019) e John Wick 4: Baba Yaga (2023). Mas também já tivemos uma minissérie para TV de nome O Continental: Do Mundo de John Wick e para este ano de 2025 teremos nos cinemas seu primeiro filme derivado: Bailarina, com a atriz Ana de Armas no papel principal. Somados, os 4 primeiros filmes gastaram US$ 235 milhões para serem produzidos... porém lucraram US$ 1 bilhão apenas nas bilheterias. Nada mal!

O que poucos sabem é que esta história de sucesso poderia nem ter começado, se não fosse uma pessoa improvável... a atriz Eva Longoria, que embora até tenha feito um ou outro filme de ação, está longe de ser associada a qualquer produção do gênero.

O primeiro filme de John Wick era uma produção independente que teve dificuldades para começar. Quando o roteiro caiu no colo de Keanu Reeves, ele ligou para Chad Stahelski e David Leitch, que foram coordenadores de dublês na Trilogia Matrix (e Chad também foi o dublê de Keanu no primeiro filme), para que a dupla coreografasse e dirigisse as cenas de ação. Porém os dois responderam que só topariam ser "os" diretores da produção toda, o que ganhou apoio do ator. Posteriormente foi o que acabou se concretizando, até porque John Wick estava até com dificuldades de encontrar alguém para a direção, já que não haviam muitos interessados em assumir "mais um filme de pancadaria de Keanu Reeves".

John Wick tinha orçamento previsto de US$ 20 milhões, e segundo Chad Stahelski, eles estavam a 5 dias de iniciar as filmagens quando perderam US$ 6 milhões em financiamento. O cancelamento do filme foi colocado em pauta e um dos motivos disto não ter acontecido foi o medo de receber processos. Foi então que Eva Longoria entrou para salvar o dia. A atriz estava buscando novos modos de investimento - nunca havia sido produtora de filmes antes - e foi procurada por um agente da CAA (a agência de talentos que a representava) que a recomendou investir os 6 milhões que filme precisava. O pior, segundo Eva, é que o agente que fez a recomendação nem era o agente dela, e sim um desconhecido. Ainda assim, apesar de tantas incertezas, ela fez a aposta em John Wick e fechou o negócio.

Ao ser questionada sobre o quanto ela já recebeu de volta destes US$ 6 milhões investidos, ela apenas respondeu sorrindo que "mais que o dobro", e disse que um dos seus maiores arrependimentos foi ter saído da franquia e produzido apenas o primeiro dos filmes.

E que bom que John Wick foi salvo por Eva Longoria e feito por Chad Stahelski e David Leitch. Pois se o filme Matrix (1999) - de onde Stahelski, Leitch e Reaves vieram - causou uma revolução nos filmes de ação e na cultura Pop, dá sim para dizer que John Wick também causou sua (pequena) revolução.

Se Matrix apostou na câmera lenta, John Wick subverteu tudo isso e apostou na velocidade, e mais ainda, deu ainda mais destaque para as coreografias. Ao contrário dos tão comuns cortes rápidos dos filmes modernos de ação, muitas das cenas de combate são filmadas em planos longos e sem cortes. E as brigas, além de bastante coreografadas, utilizam-se também de vários objetos, remetendo a filmes orientais, como se fossem uma violenta apresentação de dança. Tudo isso iria influenciar várias obras de ação subsequentes.

Terminando este artigo de curiosidades, segue o trailer do futuro filme Bailarina, que não terá pela primeira vez na franquia a direção Chad Stahelski. Será que vai manter o padrão dos demais John Wick?

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Curiosidades Cinema Vírgula #031 - Conheça aqui a PRIMEIRA história escrita de Ficção Científica!

Você e um grupo de 50 companheiros partem em viagem, e fazem uma surpreendente viagem a Lua, onde ao chegar, se deparam com uma guerra entre os alienígenas habitantes da Lua contra os alienígenas habitantes do reino do Sol, em uma disputa que começou pela colonização do planeta Vênus. Ao retornar para a Terra, antes de conseguirem retornar para casa, acabam passando por vários locais novos e inexplorados, como por exemplo uma cidade habitada por lâmpadas "vivas" autônomas e conscientes, e de quebra descobrem um novo continente.

O enredo acima faz parte de um livro que, para muitos, se trata da primeira história de Ficção Científica da Literatura. Antes de revelar o nome desta obra, lanço o desafio: quando e onde vocês acham que ela foi escrita? Vou até dar dicas. Seria no começo do Renascimento Europeu (entre meados do século XIV e o fim do século XVI), quando a Idade Média se encerrava e a Ciência começava realmente a crescer? Ou seria ainda antes... que tal no Século IX do Mundo Árabe, onde a astronomia e matemática se desenvolvera mais rapidamente, e obras literárias incríveis de fantasia como por exemplo As Mil e Uma Noites já eram compiladas?

Nem um, nem outro. A trama em questão é narrada na obra História Verdadeira, escrita em meados do Séc. II d.C. por Luciano de Samósata (Síria), em grego. Sua intenção ao publicar sua História Verdadeira foi ironizar e criticar as fontes históricas contemporâneas e antigas que descreviam acontecimentos fantásticos e míticos como se fossem verídicos.

A épica jornada narrada em História Verdadeira é recheada de absurdos, e além dos eventos que descrevi no primeiro parágrafo deste artigo, temos por exemplo nossos aventureiros sendo engolidos por uma baleia gigante, onde lá dentro eles encontram uma civilização de homens-peixe; se envolvem em uma batalha entre um povo de gigantes; encontram um mar de leite com ilhas de queijo; viajam por vários lugares e acabam encontrando personagens históricos ou mitológicos como Homero, Ulisses, Sócrates, Pitágoras e Heródoto.

Vivendo dentro de uma baleia...

Ou seja, para nossos conceitos, há bem mais fantasia que Ficção Científica em História Verdadeira, mas ainda assim ela é considerada a primeira obra deste gênero por contemplar conceitos como viagens interplanetárias, encontro com alienígenas, colonização de planetas, atmosfera artificial, criaturas vivas feitas de tecnologia humana, desejo explícito dos protagonistas por aventura e exploração e etc.

Ah sim, e como sabemos que Luciano de Samósata escreveu História Verdadeira com este objetivo que eu contei pra vocês linhas acima? Porque ele mesmo diz isso nos primeiros parágrafos do livro! Ele cita A Odisséia, de Homero, como uma das mais importantes obras de charlatanismo, e ainda declara que sua história a seguir é toda inventada, tudo mentira: "Mas minha mentira é muito mais honesta do que a deles, pois embora eu não diga a verdade em nada mais, pelo menos serei verdadeiro ao dizer que sou um mentiroso.".

Curiosamente, apesar de tudo, ainda havia alguns leitores do mundo romano que, quando História Verdadeira saiu, acharam que sua história era real. Assim como temos hoje o fenômeno "se recebi no WhatsApp é verdadeiro", antes havia o "se foi publicado em um livro (ou pergaminhos), é verdadeiro". E no séculos XVI e XVII, quando a Europa explorava "terras inexploradas" ao longo do globo, História Verdadeira voltou a chamar a atenção das pessoas. Por exemplo, hoje os estudiosos acreditam que As Viagens de Gulliver, escrita pelo irlandês Jonathan Swift (1667 - 1745), tenha sido bastante influenciada por por esta obra.

Obs.: sendo um bom satírico e piadista, Luciano de Samósata encerrou sua História Verdadeira com um "... O que aconteceu no outro mundo eu contarei a vocês nos livros seguintes.", livros que ele obviamente nunca escreveu nem quis escrever. ;)

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Curiosidades Cinema Vírgula #030 - Indiana Jones e a Última Cruzada acertou a localização do "Santo Graal" !!??

Para celebrar a marca de 30 artigos de curiosidades, volto a trazer algo sobre minha franquia de filmes favorita.

Para quem não está familiarizado com a trama do filme Indiana Jones e a Última Cruzada (1989) - e que para mim é um dos melhores filmes de Aventura de todos os tempos - sua história é uma corrida em busca pelo artefato conhecido como Santo Graal, que no contexto deste filme, seria o cálice usado por Jesus Cristo na Última Ceia.

Segundo Indiana, o sagrado objeto está localizado na cidade de Petra, Jordânia, mais especificamente dentro do edifício de nome Al-Khazneh ("Câmera do Tesouro"), um dos mais imponentes daquela cidade.

E o filme termina (o que vou falar a seguir é um spoiler considerável, mas poxa, o filme tem quase 40 anos...) com cerca de uma dezena de pessoas morrendo lá dentro, e... com o Cálice também permanecendo por lá.

Este histórico prédio tem cerca de 40m de altura e acredita-se que ele foi construído no Séc I d.C. sob reinado do rei nabateu Aretas IV, com o propósito de servir como mausoléu. Entretanto, quando Al-Khazneh foi redescoberto por historiadores modernos ele já estava vazio. Em 2003 duas pequenas tumbas com esqueletos incompletos foram encontradas lá dentro e mais nada... Mas isso mudou ano passado, em Agosto de 2024.

Bem na frente da entrada de Al-Khazneh, um grupo de arqueólogos jordanianos e estadunidenses encontraram uma larga tumba, e ao escavarem, encontraram cerca de 12 esqueletos e mais alguns artefatos funerários de bronze, ferro e cerâmica.

E o mais impressionante, foi a descoberta - amplamente divulgada nos sites e revistas especializados do mundo todo - de que um destes esqueletos estava praticamente "segurando" um recipiente de cerâmica, recipiente esse muito parecido com o cálice usado no filme Indiana Jones e a Última Cruzada (vejam a foto abaixo).

Clicando aqui, você pode encontrar a matéria original do grupo que fez a descoberta que, vejam só, era acompanhada e filmada para o programa Excavation Unknown da Discovery Channel. Segundo as palavras de Josh Gates, apresentador e que acompanhava a escavação: "Quando avistamos o que parecia ser um cálice, todos nós simplesmente congelamos. Parecia quase idêntico ao Santo Graal apresentado em Indiana Jones e a Última Cruzada, situado no antigo edifício diretamente acima da tumba. Foi o momento derradeiro da vida imitando a arte."

Porém, o tal "Graal" descoberto por eles em Petra não é bem um cálice, e sim, a parte superior de uma jarra quebrada, que posteriormente foi datada como sendo do Séc I d.C., o que gerou algumas críticas de outros arqueólogos que também trabalham na famosa cidade Jordaniana. A "reclamação" é que eles também descobrem tumbas igualmente importantes, mas não ficam tentando se ligar a filmes de Hollywood para chamar atenção...

O grupo de arqueólogos que descobriu a tumba, no programa Excavation Unknown

A imponente fachada do Al-Khazneh em foto recente

O interior real do Al-Khazneh é bem diferente do que vimos em Indiana Jones e a Última Cruzada. Na verdade, ele é até pequeno, composto apenas de uma grande câmara principal quadrada e duas câmaras laterais.

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Curiosidades Cinema Vírgula #029 - Sabia que o famoso letreiro de Hollywood não tinha relação com o Cinema quando foi criado?

Reparem a foto acima. Não tem algo errado nela? Pois saibam que ela é uma foto REAL, apesar do "LAND" (aparentemente) extra! O mundialmente famoso letreiro de Hollywood, que fica no Monte Lee, na cidade de Santa Monica (pertencente ao condado de Los Angeles) originalmente foi criado como Hollywoodland, e a seguir contarei sua história.

Este famoso "anúncio" foi erguido em 1923 nas montanhas do local conhecido como Hollywood Hills com o objetivo de promover um novo condomínio residencial que seria construído lá perto, na própria região de Hollywood. O letreiro original "HOLLYWOODLAND" era construído com letras de madeira com cerca de 15m de altura, e contavam com cerca de 4 mil lâmpadas no total, que eram acesas à noite.

A intenção dos donos do empreendimento imobiliário era que o letreiro fosse visto de toda a cidade, ou seja, que todos os trabalhadores da crescente indústria do cinema americano, vissem sua imponente propaganda mesmo do trabalho. E era para ser uma obra temporária, durando apenas 18 meses. Porém, o letreiro ficou tão famoso e se tornou tão querido pelo público que seus donos optaram por não removê-la. Anos depois a prefeitura assumiu o letreiro como "patrimônio" da cidade, devido a relevância que ele ganhou perante os habitantes e também para os turistas.

Foto do letreiro com suas luzes acesas no dia de sua inauguração, em 1923

Na década de 40, o "monumento" já estava bastante deteriorado, inclusive com o "H" inicial já faltando. Em uma primeira grande restauração feita, apenas em 1949, foi quando se optou por remover em definitivo o final "LAND", deixando apenas "HOLLYWOOD" à pedido do Departamento de Parques da Cidade de Los Angeles. A explicação é que deste modo, o letreiro representaria toda Hollywood, e não apenas a parte do empreendimento imobiliário original. 

A falta de manutenção e o tempo novamente fizeram sua parte em castigar esta obra mundialmente famosa, e na década de 70 seria o segundo "O" que acabaria caindo. Foi então que a Câmara de Comércio de Hollywood fez campanha para uma reconstrução completa da placa, o que custaria US$ 250 mil. Personalidades famosas bancaram os custos, cada uma sendo o doador de uma letra. Por exemplo Hugh Hefner, fundador da revista Playboy, pagou pelo "Y"; e o rockeiro Alice Cooper pagou pelo segundo "O".

O "novo" letreiro de Hollywood, que é o que persiste até hoje, é levemente menor que o original. As novas letras possuem cerca de 13,7m de altura e variam entre 9,4m e 12m de largura. Porém agora são feitas com vigas de aço e chapas de ferro, sendo fixadas ao solo com concreto armado.

Protesto feito em Janeiro de 1976, a favor da descriminalização da maconha

Antigamente se podia chegar livremente até ao letreiro, porém isto já não é mais possível há algumas décadas, e o local é cercado por arame farpado e vigiado por câmeras. Ao longo da história ele também sofreu algumas alterações inesperadas, geralmente devido manifestações (por isso, aliás, que seu acesso hoje é proibido). Um exemplo é a foto acima.

A mais recente "modificação" aconteceu durante a Cerimônia de Encerramento dos Jogos Olímpicos de Paris, em 2024, onde ao mostrar imagens da sede dos futuros jogos - Los Angeles, em 2028 - o ator estadunidense Tom Cruise pousa ao lado de um letreiro de Hollywood modificado com os Anéis Olímpicos. A alteração, entretanto, não foi real, e sim, apenas computação gráfica.

Será que em 2028 isso acontecerá na vida real?

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Curiosidades Cinema Vírgula #028 - Se você gosta de Cinema, PRECISA conhecer You're All The World To Me, de Fred Astaire

Quando se pensa nos anos dourados de Hollywood, filmes musicais faziam bastante sucesso. E provavelmente o maior nome do gênero foi o ator, dançarino, cantor e coreógrafo Fred Astaire (1899 - 1987), ainda que ironicamente a sequência musical que tenha ficado como a mais famosa da história -Cantando na Chuva - não tenha sido dele, e sim, de Gene Kelly (1912-1996).

Há literalmente dezenas de apresentações de dança absolutamente incríveis e memoráveis de Astaire ao longo de sua carreira. Afinal, só nos cinemas foram mais de 40 filmes, além de muitas e muitas apresentações especiais na TV.

E uma de suas performances mais surpreendentes é a da canção You're All the World to Me, presente no filme Núpcias Reais (1951). Em uma época onde ainda não se existiam efeitos especiais por computador, Fred chocou sua audiência ao dançar de maneira natural e crível pelas paredes e teto de um quarto. Toda esta sequência do filme vocês podem (e devem) assistir no vídeo abaixo:

No trecho do filme em questão, o personagem de Fred Astaire, apaixonado por uma jovem e bela mulher que assim como ele, ama dançar, não se contém de emoção e sai dançando pela sala. A idéia e concepção dessa cena, entretanto, veio à mente de Astaire muitos anos antes de Núpcias Reais ser filmado. Demorou um bocado para que esta sua idéia de desafiar a gravidade fosse colocada em prática.

Mas como, afinal de contas, Fred Astaire fez isso? Com efeitos práticos, oras! Toda a sala foi construída dentro de um gigantesco barril de metal, que era girado. Porém a câmera ficava sempre fixa no que seria o chão do cômodo. Tudo girava, inclusive a câmera, enquanto Fred, de modo muito hábil (e com 51 anos de idade!), não. No vídeo abaixo você poderá ver de maneira muito clara o segredo revelado (ATENÇÃO: antes assistir o segundo vídeo, recomendo fortemente você NÃO ter pulado o primeiro vídeo, acima deste!!).

Este "truque" de rotacionar a sala foi usado posteriormente em vários outros filmes, como por exemplo em 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968), A Caçada ao Outubro Vermelho (1990), A Origem (2010); e também já foi replicado na música, como por exemplo no clipe de Lionel Richie, Dancing On The Ceiling (1986), e bem mais recentemente em 2019 por Billie Eilish em apresentação para o Saturday Night Live (ver vídeo abaixo). Nenhum deles entretanto, tem a primazia e perfeição de Fred Astaire. ;)

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Curiosidades Cinema Vírgula #027 - Elementar, meu caro Peter Parker. Não, mágico espelho!

Quem disse a famosa frase "Elementar, meu caro Watson!"? O famoso detetive Sherlock Holmes, correto? Errado! A resposta correta é... ninguém!

Quando estava estudando para escrever minha crítica de Hellboy e o Homem Torto (2024), descobri que a história foi inspirada em um conto de Sherlock Holmes de mesmo nome, conto esse em que temos o único momento escrito por Sir Arthur Conan Doyle em que Sherlock pronuncia a palavra "Elementar". E ele apenas exclama "Elementar!", não é um "Elementar, meu caro Watson" (ainda que a fala foi sim dirigida ao seu amigo Doutor).

E temos outros casos na Cultura Pop de frases muito famosas que nunca foram ditas.

Todo mundo tem cravado em sua memória o vilão Darth Vader dizendo a Luke Skywalker em Star Wars – O Império Contra-Ataca (1980): "Luke, eu sou seu pai!" (Luke, I'm your father!), correto? Porém não é exatamente assim que a frase foi dita. O que Vader sempre disse foi "No, I'm your father!" (Não, eu sou seu pai!). Só conferir abaixo.

E que tal a "Com grandes poderes vêm grandes responsabilidades", que como todos sabem, foi dita pelo Tio Ben a um jovem Peter Parker, em seus primeiros dias como Homem-Aranha. Será?

A tal frase surgiu pela primeira vez na revista Amazing Fantasy #15 (1962), a estréia do Homem-Aranha nos quadrinhos. Porém ao invés de ter sido dita por alguém, ela é simplesmente frase escrita pelo narrador, conforme vemos na imagem abaixo.

Veja o que está escrito no canto superior direito...

Ok. Mas aqui temos uma "trapaça"... é que a história foi "transformada" com o passar do tempo. Na revista Homem-Aranha vs. Wolverine #1 (1987) vemos Peter Parker afirmando que essa frase é de seu Tio. E em The Amazing Spider-Man #38 (2002), finalmente vemos Tio Ben a dizendo nos quadrinhos. No mesmo ano, no filme Homem-Aranha (2002), também vemos Tio Ben (interpretado por Cliff Robertson) proferindo a famosa frase a Peter Parker (interpretado por Tobey Maguire).

E para encerrar, um último caso, cuja confusão é meio "bobinha", mas ainda assim eu achei curiosíssima por envolver simultaneamente DOIS idiomas. Trata-se da icônica frase que a Rainha Má da história da Branca de Neve diz ao espelho. Para as pessoas, a frase dita pela Rainha é: "Espelho, espelho meu, quem é mais bela do que eu?" / "Mirror, mirror, on the wall, who is the fairest of them all?"

E o que foi realmente dito no filme Branca de Neve e os Sete Anões (1937) foi: "Mágico espelho meu, quem é mais bela do que eu?" / "Magic mirror on the wall, who is the fairest one of all?"

Ou seja, tanto em inglês quanto em português, as pessoas gravaram na memória um "Espelho, espelho" ao invés do correto "Mágico espelho". Só que novamente a história se adaptou à lembrança das pessoas, e alterou um pouco as coisas... Por exemplo em 2012 foi lançado o filme Espelho, Espelho Meu (Mirror, Mirror no original), um live-action que reconta a história da Branca de Neve. E o filme reconta a frase do jeito "errado", como "Espelho, espelho"... aliás, o faz até em seu título!

E aí, sabiam destas frases "falsas"? Digam nos comentários!

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Curiosidades Cinema Vírgula #026 - A invasão dos Nepo Babies

Nepo Baby - abreviação do termo Nepotism Baby - cuja tradução literal seria "Bebê do Nepotismo", é um termo que surgiu nos EUA em meados dos anos 2010 para citar de modo depreciativo pessoas cujos pais tiveram sucesso em carreiras semelhantes ou relacionadas à sua. Sendo mais específico aqui no nosso contexto: é um termo para reforçar que a pessoa é filha de uma celebridade, e por isso desfruta de conexões que facilitam a construção da sua carreira no mundo do entretenimento.

Os Nepo Babies existem em Hollywood desde sempre. Porém, apenas nos últimos 3 anos o assunto chamou realmente atenção do público (e de modo negativo). Primeiro pelo número realmente maior de nepo babies aparecendo no cinema, TV e música; e segundo, pela toxicidade das redes sociais. Tanto é verdade que o número de filhos de pais famosos está aumentando e chamando a atenção, que eu já havia feito um artigo sobre isto em Dezembro de 2021 aqui no Cinema Vírgula. Clique aqui para rever o "Curiosidades Cinema Vírgula #007 - Sete jovens atores em ascensão com pais famosos que você não tinha idéia!".

Agora trago mais 4 atores que você provavelmente nem imaginasse que têm pais famosos. São as 4 pessoas da imagem título deste artigo, lá acima. Vamos saber quem eles são, e o que cada um acha de ser um nepo baby? Seguindo então em ordem, da esquerda para a direita:

Maya Hawke: filha dos atores Uma Thurman e Ethan Hawke, um de seus principais trabalhos foi o papel de Robin em Stranger Things. A atriz e cantora já reconheceu que ter pais famosos lhe deu enormes vantagens em ambas carreiras.

Lily-Rose Depp: filha da cantora Vanessa Paradis com o ator Johnny Depp, Lily-Rose é atriz mas também já navegou pelo mundo da mãe, lançando algumas músicas. Para ela, ser um nepo baby só ajuda para conseguir um papel, e depois disso "você só conta com seu talento e há muito trabalho duro a se fazer".

Patrick Schwarzenegger: filho do ator e ex-governador da Califórnia Arnoldão, após várias pequenas participações em filmes e séries, ele recentemente conseguiu um papel maior em Gen V, seriado derivado de The Boys. Patrick diz não aceitar "ajudas" do pai: "Ele me ofereceu papéis em seus filmes, mas não estou interessado em aceitar coisas em seus filmes de ação ou em não conquistar meu [próprio] caminho".

Allison Williams: filha de Brian Williams, o âncora de um programa jornalístico do canal NBC, o Nightly News, a atriz tem uma carreira mais em filmes e séries de terror, recentemente estando em produções como M3gan e Corra!. Na minha opinião, ela é uma excelente atriz, e talvez por concordar com isso, não se importe nem um pouco em se assumir como uma nepo baby: "Não parece ser uma derrota admitir isso. Se você confia em sua própria habilidade, eu acho que se torna bem simples aceitar".

Mas aparentemente nem mesmo fama e reconhecido talento impede que alguns Nepo Babies fiquem magoados com a recente popularização do termo. Lembram que eu disse que filhos de pais famosos existem em Hollywood desde sempre, né? A competentíssima Jamie Lee Curtis, que começou a atuar em 1977 e já passou dos 50 filmes na carreira, é filha dos também atores Tony Curtis (Quanto Mais Quente Melhor) e Janet Leigh (Psicose). E ficou bem magoada quando a expressão começou a ficar comum na mídia.

Tony Curtis, Janet Leigh e Jamie Lee Curtis, juntos em foto de 1991

Jamie até reconheceu que pessoas com parentes famosos têm algumas vantagens na carreira, citando até uma inusitada, que seria o espaço de poder retrucar quem duvida de seus talentos e habilidades. Porém, segundo suas palavras: "a conversa atual sobre os Nepo Babies tem como objetivo apenas tentar diminuir, denegrir e magoar".

E para encerrar o assunto Nepo Babies... vamos falar de Hannah Einbinder.

Hannah é a co-protagonista do seriado de comédia Hacks, que no começo deste ano fiz um artigo elogiando bastante (clique aqui para ler!), e que semanas atrás venceu 3 prêmios Emmy (dentre 6 indicações): Melhor Série de Comédia, Melhor Roteiro de Série de Comédia e Melhor Atriz em Série de Comédia (para Jean Smart).

E como Hannah Einbinder também é uma Nepo Baby (e talentosa, aliás), aproveitei para unir o assunto deste artigo para voltar a recomendar Hacks.

Hannah Einbinder é filha de Laraine Newman, que por sua vez é comediante e dubladora. Laraine fez parte do elenco inicial de Saturday Night Live, da qual participou das 6 primeiras temporadas.

Laraine e Hannah, em 2015

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