Crítica - Batman (2022)

Título: Batman ("The Batman", EUA, 2022)

Diretor: Matt Reeves

Atores principais: Robert Pattinson, Zoë Kravitz, Colin Farrell, Jeffrey Wright, Andy Serkis, John Turturro, Peter Sarsgaard, Paul Dano

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=rsQEor4y2hg

Nota: 8,5

Um Batman verdadeiramente diferente, e por isso merece ser assistido

Depois de muita expectativa (e um pouco de controvérsia) é lançado o Batman do "vampiro"  Robert Pattinson. Particularmente, depois de tantos filmes já lançados do Morcegão, me questionava se não era uma atitude precipitada já lançar um novo reboot do personagem nas telonas. E a resposta, felizmente, é um não: este novo Batman traz novidades em muitos sentidos, atualiza o herói para a nova geração, e é uma grande contribuição (e recomeço) na mitologia deste personagem nos cinemas.

Na história deste Batman, que é uma história de origem, vemos um Bruce Wayne (Robert Pattinson) que acaba de completar 2 anos atuando como Batman em Gotham City. Porém, frustrado e perdido, ele já pondera sobre a eficácia de suas ações, enquanto ao mesmo tempo surge na cidade um serial killer que se intitula Charada, que começa a matar políticos e policiais importantes. Em suas investigações, Batman acaba contando com a ajuda de pessoas como Selina Kyle (Zoë Kravitz) e o policial "Jim" Gordon (Jeffrey Wright), aprendendo segredos obscuros sobre Gotham e até sobre sua família, enquanto se descobre como pessoa e herói.

A trama trazida pelo diretor e co-roteirista Matt Reeves mistura com bastante eficiência e coesão várias histórias em quadrinhos, dentre as principais: Batman: Terra Um (maior referência, e que aliás não é considerada cânone das HQs), Batman: O Longo Dia das Bruxas e Batman: Ano Um (destes dois vêm principalmente a ambientação e os personagens). E não só isso! A história também mistura / homenageia vários filmes, como por exemplo Zodíaco (2007), Seven: Os Sete Crimes Capitais (1995) e Taxi Driver (1976).

O personagem Batman - criado em 1937 - mudou muito ao longo das décadas. E este Batman de Matt Reeves segue a tendência das últimas décadas de ser alguém sombrio e violento. Porém não é "a" versão mais violenta e sombria que já tivemos nos filmes; mas certamente é a versão mais melancólica de todas. Além de (finalmente!) termos pela primeira vez nos cinemas um Batman detetive!

Sim, pois na prática nada mais temos que um policial buscando pistas em busca de um assassino em série que, seguindo o costume, deixa "pistas" de suas intenções ou paradeiro. E mais ainda, este Batman de Robert Pattinson é também a versão mais realista já trazida para as telonas: o personagem erra várias vezes, apanha bastante, e principalmente, não conta com nenhum grande aparato tecnológico.

E se o personagem Batman trazido aqui é diferente das outras versões de todos os filmes anteriores, a maneira com que ele é filmado também. Em Batman a câmera está quase sempre bem perto do herói, é quase como se estivéssemos ao seu lado o tempo todo dividindo com ele sua visão e pensamentos. Nas poucas vezes que isso muda, e então temos filmagens com planos mais abertos, os ângulos das câmeras são um pouco "incomuns", em geral capturando as cenas de cima pra baixo, como se fossem nos jogos de videogames. Aliás, há um bocado dos videogames atuais de Batman neste filme: da maneira com que as lutas são coreografadas até a sua vestimenta; afinal, o fato do Morcegão vestir uma armadura é algo muuuito mais presente em jogos do que nas HQs.

A história em Batman não parou nas mudanças apenas em seu personagem principal e também mudou vários personagens, como por exemplo a Mulher Gato, o Comissário Gordon, o próprio Charada... porém o mais importante é que em todos esses casos a essência dos personagens está lá, intacta (fora os atores estarem muito bem). Sinceramente não vejo nenhum motivo de reclamação nessas mudanças. Ou melhor, vejo uma, em relação ao Alfred, que aqui não é um mordomo e sim um guarda-costas: é a única modificação do filme que realmente reprovo e a meu ver distorce algo central de um personagem.

Outro ponto positivo importante deste filme é que mesmo sendo um filme de origem, ele apresenta Gotham City e seus personagens de uma maneira bem natural, sutil, mas ao mesmo tempo eficiente. Não tem nada daquele costumeiro didatismo chato onde o roteiro fica explicando explicitamente coisas ao espectador. E mais ainda: não, não há cenas dos pais do Batman sendo mortos (milagre!)... todo mundo já sabe disso, então pra que colocar no roteiro novamente?

O filme tem quase 3 horas de duração e é tão bom - tanto como filme de ação como filme de drama e suspense - que nem vi a hora passar. Contribui com isso a boa fotografia (e a ótima aplicação da iluminação e sombras) e a ótima trilha sonora, que apesar de um pouco pesada e repetitiva, deixa o espectador dentro do universo do filme o tempo todo. Faço questão de mencionar seu compositor: Michael Giacchino.

Mas apesar de tantas qualidades e de um roteiro redondinho, Batman perde um pouco a mão em seu ato final. Se uma de suas maiores qualidades é ter sido o tempo todo "realista e pés-no-chão", em seus últimos 30 minutos o diretor joga um pouco disso fora, uma pena. E o curioso, entretanto, é que esse ato final teria que acontecer de alguma maneira, porque ele é essencial para concluir o ciclo de aprendizado do protagonista (lição aliás muito atual e importante no mundo de fanáticos extremistas atual). Em outras palavras, o que acontece no ato final é dramaticamente imprescindível, porem para mim o diretor falhou ao não encontrar uma forma de apresentá-lo de um jeito mais crível.

E finalmente, o que falar sobre o tão questionável Robert Pattinson? Como Batman ele foi bem; mesmo bastante coberto pela máscara e armadura, com sua boa atuação e postura corporal conseguimos entender bem suas expressões e sentimentos. Já como Bruce Wayne... não gostei... temos aqui um Bruce "emo" e com atuação contida. De certa forma, é a pior maneira possível de retratá-lo já que reforça todo o estereótipo ganho por Pattinson fazendo o Edward da saga Crepúsculo. Só que acho que a escolha foi proposital... para agradar justamente o público que veio assistir ao filme por ser fã deste ator.

Batman é um filme que pela mistura de gêneros e diversas novidades deverá agradar tanto aos que curtem filmes de super-heróis quanto aos que curtem filmes policiais ou de suspense. E em nome das inovações, por favor, que um futuro Batman 2 NÃO traga mais uma vez uma história com o Coringa. Nota: 8,5.

PS: o filme possui uma "pequena" cena pós-créditos, que nada mais é que um texto escrito "Good bye", e após isso, a exibição do link https://www.rataalada.com/ , que realmente existe e te convida a responder 3 enigmas (em inglês). Acertando-os, você como brinde ganha acesso a algumas imagens extras. Nem vale a pena o esforço rs.

Crítica - O Beco do Pesadelo (2021)

Título: O Beco do Pesadelo ("Nightmare Alley", Canadá / EUA / México, 2021)

Diretor: Guillermo del Toro

Atores principais: Bradley Cooper, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Rooney Mara, Ron Perlman, Mary Steenburgen, David Strathairn, Holt McCallany, Tim Blake Nelson

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=Y55AqcbXwSI

Nota: 8,0

Um filme "clássico" com grande elenco e produção impecável

O Beco do Pesadelo é um filme Neo-noir dirigido, produzido e adaptado por Guillermo del Toro, baseado em um livro de mesmo nome escrito em 1947. Ele não chega a ser um filme noir "padrão" por não ser em preto-e-branco (embora seja bem escuro e com poucas variações de cores), e não ser uma aventura de detetive/policial (mas têm crimes envolvidos), mas certamente preserva muitas características deste subgênero de filmes, como o pessimismo e os personagens de caráter questionável. Para quem está acostumado com os filmes deste grande diretor mexicano (Hellboy, O Labirinto do Fauno, A Forma da Água), irá reconhecer de imediato seu estilo visual, mas irá estranhar a falta de elementos fantásticos.

Na história, que se passa em 1941, acompanhamos a vida de Stan Carlisle (Bradley Cooper), um "ninguém" que não tem nada e resolve começar sua vida trabalhando em um circo itinerante. O filme se divide em duas partes: a vida de Stan no circo, onde ele conhece e se apaixona por Molly (Rooney Mara) e começa a aprender truques de Mentalismo; e a parte final, onde ele e Molly deixam o circo e saem em tour pelos EUA para viver dos seus truques. É em uma destas viagens que Stan conhece a psicóloga Lilith Ritter (Cate Blanchett), que o ajuda a tornar seus "golpes" mais sofisticados e lucrativos.

Mesmo sendo um filme bom e interessante, entendo que o maior encanto em O Beco do Pesadelo vai para o cinéfilo, já que a produção é realmente espetacular. A fotografia é excelente, assim como o design de produção, a maneira com que a câmera passeia em meio dos personagens e objetos, apresentando-os. Tudo muito bom! Fora o verdadeiro desfile de vários atores e atrizes famosos; a lista é bem grande, e embora não tenhamos aqui nenhuma atuação de "tirar o fôlego", é um prazer ver que  temos várias boas atuações, e que todos os atores são bastante competentes e críveis no que fazem, especialmente a genial Cate Blanchett.

Mas apesar de tantas qualidades, e de um roteiro bem escrito, acredito que o espectador em geral não vá sair de O Beco do Pesadelo "bastante empolgado" com o que viu. A história é boa, mas é um bocado previsível, além de melancólica e demorada, sem qualquer alívio cômico ou ironia. Temos aqui um conto interessante, porém sem muita ousadia, e sem o dinamismo presente nos filmes de hoje no qual os espectadores estão acostumados. É como se um diretor e roteirista dos anos 50 pegasse um bom texto da época e filmasse com a tecnologia atual.

Em resumo, como história e diversão O Beco do Pesadelo é bom; e tecnicamente ele é ótimo. Fazendo um balanço entre estas duas coisas, e com meu lado cinéfilo sendo bem ouvido, o filme leva Nota 8,0.

Curiosidades Cinema Vírgula #008 - Entenda porque em Eu Sou a Lenda (filme de 2007) te contaram a história errada!

Tive a idéia de escrever este texto após a surpreendente notícia desta semana, que Will Smith e Michael B. Jordan irão atuar e produzir um novo filme de Eu Sou A Lenda. E tudo que vocês lerão a partir de agora terá grandes spoilers sobre o filme de 2007, portanto, só continue se você já tenha visto o filme antes.

Eu Sou A Lenda é sem dúvida um bom filme de suspense e ação. Mas seu final é bastante controverso (e ruim). Lembrem-se que nele o personagem de Will Smith (Robert Neville) se sacrifica. Então como ele poderá aparecer no novo filme? Seria através de flashbacks? Ou a história se passaria antes do evento do filme original?

Pois saibam que existe a chance de não ser nenhum dos dois: na verdade, este filme de Eu Sou A Lenda possui dois finais. Além do final "oficial" dos Cinemas, há o final alternativo presente no DVD. Nele, Will Smith não morre. Então talvez o novo filme passe a considerar esse final o "verdadeiro"?  Daqui uns anos saberemos...

Mas a questão principal é que, independente do final, em nenhum momento do filme há uma explicação do porquê ele se chama Eu Sou A Lenda. Pois bem, no livro de mesmo nome escrito por Richard Matheson em 1954, onde a história é contada originalmente, temos esta resposta de maneira bem explicita.

No livro, o personagem Robert Neville descobre nos capítulos finais que existem dois tipos bem distintos de infectados ("vampiros"): os "vivos" e os "mortos-vivos", sendo que o primeiro grupo ainda é bastante racional e não perdeu sua humanidade; estavam tentando retomar a vida normal e reconstruir a sociedade. E lembrem-se que Neville dedicava a sua vida em matar qualquer tipo de vampiro (mas sem saber distinguir ou ter consciência da diferença entre eles).

Pouco antes de morrer - sim, no livro Neville também morre - o protagonista avalia sua vida e conclui que para os infectados "vivos", ele - Neville - era um monstro; algo que os matava durante a noite enquanto dormiam. Para a nova humanidade que surgiu após a infecção da bactéria apocalítica, ele passou a ser o "bicho-papão"... seu nome seria usado em histórias para assustar as crianças futuras. No novo mundo que estava nascendo, os monstros e lendas mudariam... e então ele conclui, triste: "Eu sou a lenda", que são literalmente as últimas palavras que pensa antes de morrer.

Esta conclusão espetacular e arrepiante muda completamente a história de Eu Sou A Lenda que vimos o filme, pois afinal, o personagem de Will Smith não é o "mocinho", e sim o "vilão". O final alternativo presente no DVD até "lembra" um pouco dessa conclusão, ao mostrar um vampiro com sinais de racionalidade, e um Neville arrependido ao se deparar com isso. Ainda assim, é algo bem sutil e muito longe do desfecho sensacional do livro.

Quem quiser ver os dois finais do filme de 2007, clique aqui para assistir (está em inglês e sem legendas, porém são pouquíssimos diálogos).

PS: Já viu as outras curiosidades do Cinema Vírgula? É só clicar aqui!

Especial Dia Internacional da Mulher: conheça Roberta Williams e suas revoluções para o mundo dos Videogames

Feliz dia Internacional da Mulher para todas as mulheres que acompanham o Cinema Vírgula! E mais uma vez, trago aqui a história de uma mulher memorável para cultura pop. Desta vez, falo de Roberta Williams, famosa empresária, designer e produtora de videogames. Se muitos sonham com a fama e prestígio de revolucionar alguma área do conhecimento UMA vez na vida... bem, ela revolucionou a indústria dos jogos para computador pelo menos TRÊS vezes!!! Confira um breve resumo de sua história e conquistas.

Os primeiros Adventures e Mystery House

Nos últimos anos da década de 70, Roberta Williams vivia com seu marido Ken (ambos programadores de computador) em Los Angeles, com seus dois filhos. Até que em um belo dia Ken apresentou a Roberta o jogo para computador Colossal Cave Adventure (considerado o primeiro jogo adventure já feito, onde o jogador, apenas através de frases em texto, explorava uma caverna em busca de tesouros). Foi amor a primeira vista (ou jogatina). Empolgada pela descoberta de um jogo interativo onde ela poderia resolver mistérios, e imediatamente decepcionada ao descobrir não haver muitos outros games do tipo, ela resolveu então criar seus próprios jogos do gênero.

Roberta e Ken Williams em foto fofa de início de carreira

Igualmente apaixonada por livros de aventura policial, sua idéia inicial era fazer um jogo ao estilo dos livros de Agatha Christie. Foi então que nasceu Mystery House (lançado em 1980): o jogador começa o jogo trancado dentro de uma velha mansão, onde também se encontram mais 7 pessoas. Não demora muito para que estas comecem a ser assassinadas uma a uma... resta ao jogador descobrir quem é o assassino... antes que ele mesmo morra!

Roberta desenvolveu toda a história de Mystery House, e Ken foi responsável pela sua programação. Porém a dupla teve uma idéia inovadora: ao invés de mostrar apenas textos, que tal passar também a exibir imagens para o jogador (mesmo que estáticas)? Os desenhos foram programados pela própria Roberta, e nascia então o primeiro jogo adventure com gráficos da história! Para divulgar e vender seu novo jogo, o casal criou a empresa On-Line Systems.

Uma imagem de Colossal Cave Adventure (1976), e depois três imagens de Mystery House (1980)

King's Quest e Sierra On-Line

A On-Line Systems crescia em bom ritmo, lançando novos jogos para os limitados computadores caseiros Apple II e Atari 8-bit, e ainda que a maioria fossem adventures (e quase sempre com participação de Roberta Williams), alguns jogos até fugiram do estilo, como por exemplo Crossfire (um jogo de tiro) e Jawbreaker (um clone de Pac-Man), ambos de 1981. No ano seguinte a empresa do casal já beirava 100 funcionários, e então a companhia se mudou para uma grande estrutura na pequena comunidade de Oakhurst (ainda na Califórnia), e a dupla aproveitou para alterar o nome da companhia para Sierra On-Line, uma homenagem a cadeia de montanhas de mesmo nome que se situava ao lado das novas instalações.

Em 1983 a Sierra On-Line balançou com a famosa grande crise dos videogames, porém teve uma grande oportunidade ao ser contratada pela IBM para criar um jogo exclusivo para seu futuro novo computador pessoal de nome PCjr, que tinha o objetivo de ser mais barato e mais voltado a jogos do que seus concorrentes, contando com gráficos e som mais avançados. 

Para fechar o contrato, Ken prometera para a IBM um jogo inovador: um adventure onde o jogador controlaria um personagem que interagia com um mundo tridimensional na tela. Roberta foi decisiva para estudar, liderar e mostrar ao grupo de 6 programadores deste projeto que o desafio não era, afinal, impossível. Após 18 meses de trabalho, chegava as lojas o incrível King's Quest: o primeiro adventure da história com animações gráficas.

King's Quest também impressionava pelos gráficos: foi o primeiro jogo de computador a aceitar 16 cores distintas simultâneas via EGA

King's Quest era uma aventura medieval, onde o jogador assumia o papel do cavaleiro Sir Graham, requisitado pelo Rei para encontrar três artefatos mágicos que salvariam seu Reino da destruição. O jogador ainda dependia de digitar textos para fazer as ações, porém, ele podia de fato mover seu personagem pelo cenário através das teclas direcionais do teclado, navegando por 48 telas diferentes, em uma espécie de mapa cíclico que dava a impressão de um mundo aberto; tudo absurdamente inovador. O design e história do jogo foram ambos feitos por Roberta Williams: a progressão do jogo era não-linear (você podia por exemplo buscar os 3 tesouros na ordem que quisesse), o que era muito incomum. O jogo permitia que o jogador morresse de várias formas, e trazia quebra-cabeças bem difíceis: essas duas características se tornariam no futuro "marcas registradas" dos jogos da Sierra. E, outra surpresa: não era necessário resolver todos os enigmas para vencer o jogo.

King's Quest foi um enorme sucesso de crítica, impressionando o mundo dos jogos de computador; porém, foi mal de vendas... mas isso devido ao fracasso do IBM PCjr. Com isso, a Sierra correu para lançar o jogo em outras plataformas e meses depois King's Quest já podia ser jogado nos IBM PC's tradicionais. No ano seguinte ele chegou ao computador Tandy 1000 com enorme sucesso, e alguns anos depois ele chegou até ao Master System!

King's Quest IV (1988), também criado por Roberta, tinha uma mulher como protagonista, algo raro para a época

O sucesso de King's Quest foi um divisor de águas para a Sierra On-Line, que passaria a ser "a" empresa de jogos de adventures a partir de então, continuando com novos jogos King's Quest (foram 8 no total), e também desenvolvendo novas franquias como Leisure Suit Larry, Space Quest, Police Quest e Gabriel Knight.

Phantasmagoria e legado

No inicio dos anos 90 os jogos de adventure para computador estavam no auge, com a Sierra On-Line liderando o mercado deste tipo de game juntamente com a poderosa LucasArts (propridade de ninguém menos que George Lucas). Roberta Williams já havia participado da criação de mais de 10 jogos do gênero, porém ela ainda iria surpreender o mundo pela terceira vez.

Após anos de trabalho com jogos com tema de fantasia medieval ou de investigação policial, faltava a Roberta Williams homenagear outra de suas paixões: os livros de suspense / terror ao estilo de Stephen King, de quem também era grande fã. Seu objetivo era criar um adventure que fosse verdadeiramente assustador, mas a limitação da tecnologia sempre a fez duvidar se isso era mesmo possível.

A atriz Victoria Morsell foi escalada para protagonizar o futuro jogo

Mas em 1993 ela resolveu tornar seu sonho realidade e iniciou seu mais ambicioso projeto, um jogo adventure de terror 100% feito com filmes interativos. Sim, o jogo teria apenas imagens de atores reais, que você controlaria com o mouse normalmente, algo simplesmente inacreditável na época. Com orçamento inicial previsto de US$ 800 mil e vários adiamentos, depois de mais de 2 anos de desenvolvimento seria lançado em Agosto de 1995 o jogo Phantasmagoria, cujo custo de produção acabou chegando em US$ 4,5 milhões.

Me lembro até hoje do quanto Phantasmagoria causou uma enorme comoção em toda a comunidade de jogadores de videogames da época. Foram meses de propagandas em revistas especializadas dizendo o quanto o jogo seria assustador e revolucionário graficamente; quando ele chegou às lojas, descobrimos que o jogo estava dividido em impensáveis 7 CD-Roms (as maiores produções da época chegavam no máximo a 4 CDs).

Phantasmagoria alternava muitas partes interativas (a esq.) com mini-filmes (a dir.)

Na história de Phantasmagoria (baseada em um roteiro de 550 páginas de Roberta), você assume o papel da escritora Adrienne, que se muda para uma antiga e luxuosa mansão junto com seu marido. A mansão no passado pertencera a um famoso mágico, cujas cinco esposas morreram misteriosamente. Após um tempo, Adrienne começar a ter constantes pesadelos, descobrir coisas "perturbadoras" na casa, além de ver seu esposo começar a mudar de comportamento...

Quando saiu, Phantasmagoria foi um grande sucesso de vendas, dando um bom lucro para a Sierra e se tornando o jogo mais vendido da história da empresa. Porém, em termos de crítica sua recepção foi apenas morna: se em termos técnicos o jogo era muito elogiado, por outro lado seus quebra-cabeças eram considerados muito simples, e o jogo sofreu várias críticas pelo excesso de violência, o que aliás fez Phantasmagoria ser vendido nos EUA com um selo para maiores de 17 anos.

Eu joguei Phantasmagoria e de fato em termos de enigmas o jogo me decepcionou, assim como a sua duração, bem curta para o que eu esperava. Os gráficos também não eram exatamente iguais a de um filme, o que também me frustrou um pouco... Porém, o que Roberta Williams prometeu ela cumpriu: visualmente o jogo estava bem acima dos concorrentes, não deixava de ser algo realmente impressionante e bem diferente de tudo o que havia sido feito antes; e principalmente, o jogo era realmente assustador! Somando prós e contras, posso dizer tranquilamente que aprovei o game. Jogar Phantasmagoria foi uma experiência bem memorável e alguns de seus "sustos" eu me lembro até hoje.

A interface do jogo de Phatasmagoria em detalhes

Em 1996 a Sierra foi comprada pela CUC International por mais de US$1 Bilhão, sendo que Roberta foi inicialmente foi contra a venda, pois duvidava da credibilidade dos compradores; entretanto, ela acabou cedendo devido a pressão do restante de seus co-acionistas. Em 1998 a CUC International foi pega em um escândalo fiscal (sim, ela estava certa sobre a CUC) e Roberta - que já estava trabalhando bem menos após a venda por ter perdido sua liberdade criativa - deixou a Sierra em definitivo, juntamente com seu marido Ken, e ambos se aposentaram.

Além de todo seu legado em termos de jogos (cerca de 30) e indústria, Roberta Williams também ajudou ao dar voz feminina no mundo dos jogos de computadores. Por exemplo, alguns de seus jogos tinham protagonistas femininas; mas principalmente, Roberta deu espaço e formou outras grandes mulheres para o mundo dos games, como por exemplo Lorelei Shannon (de King's Quest VII e Phantasmagoria II), e principalmente Jane Jensen, criadora da franquia Gabriel Knight e futura co-fundadora das empresas de jogos Oberon Media e Pinkerton Road. 

Roberta Williams e Lorelei Shannon trabalhando na Sierra

Em Julho de 2021 Ken e Roberta Williams anunciaram em suas redes sociais estarem trabalhando juntos em um novo jogo, o que não acontecia há mais de 20 anos. A previsão era que o jogo saísse no final do mesmo ano, o que não aconteceu, e mais nada sobre ele foi anunciado. Ainda assim, mesmo estando quase na casa dos 70 anos, tudo indica que o mundo dos jogos de computadores poderá ser surpreendido por Roberta novamente. Vamos ver o que o futuro nos aguarda.

PS: sobre os jogos adventures

Vale a pena explicar: ao citar "adventure" em meu texto o tempo todo, isso não foi um jeito "preguiçoso" ou "esnobe" para não traduzir a palavra aventura. Pois de fato adventure neste contexto se trata de um estilo bem específico de jogo, que privilegia a história e a resolução de quebra-cabeças ao invés de ação. Com a chegada do mouse, esse tipo de jogo também passou a ter como sinônimo o nome de point-and-click. Como eu já disse no texto acima, os anos de Ouro dos adventures foram na década de 90, lideradas por duas empresas: Sierra On-Line (originalmente On-Line Systems) e a LucasArts (originalmente Lucasfilm Games).

Dentre os grandes clássicos dos jogos de adventure, e que ainda recomendo a todos jogarem, posso citar: Maniac Mansion, Day Of The Tentacle, a franquia Monkey Island, Indiana Jones and the Fate of Atlantis, The Dig, Full Throttle (todos da LucasArts), as franquias King's Quest e Gabriel Knight (esses são da Sierra); e também sucessos de outras empresas diversas, como por exemplo Myst, The 7th Guest, a franquia Tex Murphy e a franquia The Legend of Kyrandia.

Crítica - No Ritmo do Coração (2021)

Título: No Ritmo do Coração ("CODA", Canadá / EUA / França, 2021)

Diretora: Siân Heder

Atores principais: Emilia Jones, Troy Kotsur, Daniel Durant, Marlee Matlin, Eugenio Derbez, Ferdia Walsh-Peelo, Amy Forsyth

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=vVU2ixNLOt8

Nota: 7,0

Misture drama, amor, comédia e música e obtenha algo muito bom para assistir em uma época tão pessimista e doente

Eu jamais iria assistir um filme com o nome brega de No Ritmo do Coração se o mesmo não chamasse a minha atenção por ter sido indicado ao Oscar de Melhor Filme. Portanto, já começo esta crítica "homenageando" aos idiotas que traduzem os nomes dos filmes aqui no Brasil com este meu texto de 2014 (clique aqui para ler). O título original desta obra cinematográfica é CODA, que na verdade é uma sigla para Child Of Deaf Adults ("filho de pais surdos" em tradução livre), que aí sim, reflete exatamente o que o filme se trata.

Afinal, No Ritmo do Coração conta a história de Ruby (Emilia Jones), uma adolescente que faz parte de em uma família estadunidense de pobres pescadores. Seu pai Frank (Troy Kotsur), sua mãe Jackie (Marlee Matlin) e seu irmão mais velho Leo (Daniel Durant) são todos surdos (e também o são na vida real), e então cabe a Ruby ser o "elo" da família com o restante do mundo, intermediando / "traduzindo" diálogos da sua família para outras pessoas e vice-versa.

Em seu início, o filme parece um típico romance adolescente dos EUA, com direito a inocente e "diferente" protagonista sofrer bullying de todos da turma (aliás, reconheço que o bullying escolar é fortíssimo na cultura estadunidense... mas uma escola inteira zoar Ruby porque seus pais - e não ela - são surdos já achei forçado). Porém, felizmente, No Ritmo do Coração muda o foco e conta outra história.

No Ritmo do Coração mostra a dificuldade e preconceito diários que toda uma família de surdos sofre, marginalizando-os na sociedade em todos os aspectos. Por outro lado, há o drama de Ruby,  que sonha em sair de casa, fazer uma faculdade, porém fica "presa" aos seus pais já que os mesmos dependem da audição dela no trabalho da família; some-se a isso episódios em o filme mostra que Ruby precisa se adaptar a condição de seus pais e irmãos, mas nunca o contrário.

E tudo isso não é contado com apenas drama. Temos também várias cenas bem engraçadas, algum romance, e... música. Quando canta, a protagonista Emilia Jones manda muito bem, bastante impressionante. Alias, que grande trabalho desta britânica de 20 anos: além de estar atuando bem, cantando muito bem, ao contrário dos demais atores ela teve que aprender a linguagem de sinais de modo acelerado (e convincente) em poucos meses.

No Ritmo do Coração não recebe nota maior minha porque não gostei da maneira com que seu desfecho é montado... tudo se resolve de maneira demasiadamente simples e bem abrupta. Ainda assim, é um final bonito, que vale a pena. Aliás, o filme todo é um filme emocionalmente belo de se ver... em uma época onde vemos tanta notícia ruim e tanta maldade em todos os lados, chega a ser uma terapia quase que obrigatória assistir No Ritmo do Coração. Ver pequenos gestos de amor, gentileza, inocência, a beleza que existe por trás do canto e da música. Chegou até a me reestabelecer um pouco de fé na humanidade por algumas horas. Nota: 7,0.

Saíram os indicados ao Oscar 2022!! Começa aqui a cobertura do Cinema Vírgula!

Ontem saiu a lista dos indicados ao Oscar 2022, e com algumas consideráveis surpresas! Segue abaixo a lista dos indicados a Melhor Filme, ordenado pelo número de total de indicações, e aonde vocês podem assisti-los:

• Ataque dos Cães - 12 indicações (Netflix)
• Duna - 10 indicações (HBO Max e cinemas)
• Amor, Sublime Amor - 7 indicações (cinemas)
• Belfast - 7 indicações (estreou nos cinemas em 10/03)
• King Richard: Criando Campeãs - 6 indicações (HBO Max, Looke)
• O Beco do Pesadelo - 4 indicações (Star+ e cinemas)
• Drive My Car - 4 indicações (estreou nos cinemas em 17/03)
• Não Olhe Para Cima - 4 indicações (Netflix)
• No Ritmo do Coração - 3 indicações (Prime Video, Looke)
• Licorice Pizza - 3 indicações - (cinemas)

E também com 3 indicações cada (mas sem aparecer na lista dos 10 melhores), tivemos: Apresentando os Ricardos (Prime Video), Encanto (Disney+), Flee - A Fuga (sem previsão de estréia), A Filha Perdida (Netflix), 007 - Sem Tempo Para Morrer (esteve nos cinemas) e A Tragédia de Macbeth (sem previsão de estréia).

Como pode se notar, 7 dos filmes acima já tiveram sua crítica publicada aqui no Cinema Vírgula! É só clicar nos nomes que possuem links associados. E até a cerimônia de premiação efetivamente acontecer (prevista para 27 de março), irei publicar a crítica de no mínimo mais 5 dos filmes aqui citados.

Obs.: conforme novas críticas e noticias forem surgindo, este artigo será atualizado.

E encerrando este artigo... meus breves comentários:

As duas maiores surpresas nas indicações foram a meu ver o desconhecido filme japonês Drive My Car, e a indicação de Kristen Stewart como Melhor Atriz pelo seu papel de Princesa Diana no filme Spencer. Quem diria que a mocinha tão criticada pela saga Crepúsculo estaria um dia no Oscar?

Já as duas maiores ausências ficam na direção: Denis Villeneuve (por Duna) e Maggie Gyllenhaal (por A Filha Perdida) para mim deveriam ser indicados, porém não foram... e a surpresa é ainda maior por uma das vagas ter sido ocupada justamente pelo diretor de Drive My Car, Ryūsuke Hamaguchi. O Oscar de Melhor Diretor 2022 já nasceu como a de maior mistério e expectativa para mim. Afinal, quem vai levar? Jane Campion (por Ataque dos Cães) - a primeira mulher com duas indicações na categoria de Direção na história - ou a lenda Steven Spielberg (por Amor, Sublime Amor)?

E o maior "perdedor" desta edição do Oscar foi o filme Casa Gucci: dirigido por Ridley Scott, e tendo no elenco nada menos que Lady Gaga, Adam Driver, Jared Leto, Jeremy Irons, Salma Hayek e Al Pacino (todos esses já indicados anteriormente)... mesmo assim a produção teve apenas uma indicação: a de Melhor Maquiagem.

Escreva nos comentários o que achou dos indicados! E acompanhe de perto a cobertura do Oscar 2022 aqui no Cinema Vírgula!

Crítica - Matrix Resurrections (2021)

Título: Matrix Resurrections ("The Matrix Resurrections", EUA, 2021)

Diretora: Lana Wachowski

Atores principais: Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Yahya Abdul-Mateen II, Jessica Henwick, Jonathan Groff, Neil Patrick Harris, Jada Pinkett Smith, Priyanka Chopra Jonas, Toby Onwumere

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=NDizFsSsX18

Nota: 5,0

Filme corrige erro de 18 anos, mas de modo ruim e repetitivo

Enfim a crítica de Matrix Ressurrections, uma das mais solicitadas para este blog desde que o filme estreou nos cinemas nacionais, em 22 de Dezembro. Aliás ele continua nos cinemas, mas já está há poucos dias de estrear no Brasil pela HBO Max (será em 28 de Janeiro). Pelo menos o Cinema Vírgula chegou na frente dos streamings rs.

Antes de iniciar meus comentários, alerto que o texto terá enormes spoilers do filme Matrix Revolutions (2003) e spoilers moderados do filme atual em questão, o Ressurrections. Contarei algumas coisas que acontecem até o meio da trama, mas nada depois disto... não vou revelar o final. E a propósito, se você não assistiu a trilogia Matrix original, nem faz sentido assistir esse filme.

Vamos lá: voltando um pouco no tempo, Matrix Revolutions acabou da pior maneira possível: após três longos filmes e os sacrifícios derradeiros tanto de Neo (Keanu Reeves) quanto de Trinity (Carrie-Anne Moss), a saga Matrix não termina... a guerra entre humanos e máquinas não tem vencedores, nem perdedores, e nem empate... apenas uma trégua; ou seja, horas e horas de filmes para não se concluir nada. Péssimo.

O primeiro ato de Matrix Ressurrections mostra um Thomas Anderson (Reeves) como um famoso desenvolvedor de jogos... ou melhor de uma trilogia de jogos mundialmente famosa de nome "Matrix", cuja história são os filmes que conhecemos. Ele se encontra casualmente em um café com uma mulher de nome Tiffany (Moss) e se pergunta o tempo todo, confuso, se algo está errado, se aquele é mesmo o mundo real. É então que temos 50 enfadonhos minutos com Mr. Anderson tendo dezenas (literalmente) de flashbacks dos filmes anteriores misturados com muita metalinguagem.

Aparentemente Lana Wachowski achou uma idéia genial criticar seu próprio estúdio e seus próprios fãs dentro da história e cria várias cenas para misturar real e ficção, como por exemplo, uma em que o chefe de Thomas pede para que ele faça o jogo de Matrix 4, "pois a Warner decidiu que ele será feito com ou sem ele"; ou ainda, uma cena em que o time de marketing da empresa de jogos faz piadas sobre a necessidade de "um novo equivalente ao Bullet Time" para o game. Sim, essas cenas contam o que a franquia Matrix sofreu na vida real, mas não faz nenhum sentido trazê-las para o filme (leia meu PS no final do texto para mais detalhes). A última experiência similar que vi alguém fazer isso, foi o (na época) igualmente presunçoso M. Night Shyamalan com seu A Dama na Água (2006), e o resultado foi igualmente catastrófico.

Então, é revelado que Neo está mesmo em uma nova Matrix, e... olha só... se passaram 60 anos após os eventos de Matrix 3 e a trégua entre máquinas e humanos foi de fato cumprida! E isso é bom, pois minimiza o erro que foi o desfecho de 18 anos atrás. Matrix Ressurrections passa então a ter outro contexto, um em que o objetivo é bem mais simples, libertar Neo e Trinity da Matrix (e, é claro, explicar como eles estão vivos novamente). O filme melhora então a partir daí, depois de um primeiro ato horroroso? Sim, mas só um pouco.

A melhora é tímida, e basicamente porque vemos mais Neo e Trinity juntos na tela. A química entre os dois continua funcionando décadas depois e é uma das melhores coisas de Matrix Ressurrections. Já as cenas de ação, que aumentam em quantidade, são patéticas de tão mal feitas: as lutas são tão genéricas e tão mal coreografadas que os golpes dos lutadores claramente nem acertam os adversários; os tiroteios são tão absurdos e sem mira que parece que estamos vendo um filme B dos anos 80. Com exceção dos últimos 20 minutos do filme, em mais nenhum momento temos a sensação de que qualquer um dos "mocinhos" irá sequer se machucar, quanto mais morrer. Ridículo. Se pensarmos o quanto a trilogia Matrix foi revolucionária e definidora em termos de filmes de ação, chega a ser ofensivo ver esta porcaria que foi entregue.

E o desleixo com a trilogia inicial acontece em outras partes... personagens (por exemplo, Morpheus está completamente descaracterizado), fotografia... vejam, nos filmes anteriores apenas pelas cores já conseguíamos diferenciar o mundo real do mundo dentro da Matrix; o que não acontece aqui em Matrix 4. A história é longa, repetitiva... vemos uma mesma cena de filmes anteriores várias vezes... tudo é cansativo e perde o impacto a cada repetição.

Matrix Ressurrections também decepciona no que ele "poderia ser" e não foi. Afinal, pensem no quanto tivemos de evolução tecnológica em 20 anos, e isso poderia ser incorporado de maneira inteligente para dentro dessa "nova" Matrix de 2021? Entretanto, admito, esta oportunidade não foi desperdiçada por completo. Ao incorporar as "redes sociais" dentro da Matrix (agora os humanos são mais "controláveis", e permitem enxames de robôs atacantes), tivemos pelo menos uma analogia interessante que valeu a pena.

Que este Matrix 4 seja realmente o fim de um ciclo, o desfecho desta franquia, pois apesar de todos os muitos defeitos deste filme citados por mim ao longo deste texto, ao menos ele trouxe um final satisfatório. Ainda é um final "aberto", que não encerra a história em definitivo... mas ainda assim, 18 anos depois, certamente é um final mais fechado e coerente do que o final de Matrix Revolutions. Por isso, e APENAS por isso, a realização de Matrix Resurrections não foi um desperdício completo. Nota: 5,0.

PS: somando as histórias contadas por Lana Wachowski e James McTeigue (co-produtor do filme), de fato a Warner já estava há vários anos tentando convencer as irmãs Wachowski a fazer novos filmes de Matrix, e ambas sempre recusavam veementemente. Em 2017 o estúdio finalmente se decidiu por um reboot sem elas e contratou Zak Penn (Os Vingadores) para escrever o roteiro. Porém, Lana perdeu os pais em 2019, e disse que a idéia de reviver Neo e Trinity (já que não poderia reviver os pais)  a ajudou a lidar com o luto, e isso a fez bolar uma história e querer fazer um filme.

Matrix Ressurrections dividiu a opinião dos críticos em visões bem opostas, sendo que parte dos que gostaram do filme, curiosamente levantam a teoria de que Lana fez o filme de maneira "ruim" de propósito, como protesto a pressão que ela sofreu pelo estúdio e fãs, e a elogiam pela coragem de fazer isso. Conhecendo as Wachowski eu confesso que não descarto completamente esta tese... mas, duvido. É só olhar as estatísticas: dentre 8 filmes dirigidos por Lana, ela só mandou bem em 2. Sem contar que um ato como esse, se descoberto, iria queimar sua reputação para sempre dentro da Indústria. E já a Warner... bem, a especialidade da Warner é ter franquias boas e fazer filmes porcarias com elas... basta ver o que fazem com os filmes da DC. Conclusão, unir Wachowski e Warner em 2021 não poderia resultar em algo muito diferente disso não...

Crítica - Ghostbusters: Mais Além (2021)

Título: Ghostbusters: Mais Além ("Ghostbusters: Afterlife", Canadá / EUA, 2021)

Diretor: Jason Reitman

Atores principais: Carrie Coon, Paul Rudd, Finn Wolfhard, Mckenna Grace, Logan Kim, Celeste O'Connor, Olivia Wilde, Bill Murray, Dan Aykroyd, Annie Potts

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=BHdhgybPeiE

Nota: 8,0

Ou também: "Como fazer um filme de homenagem do jeito certo"

Os Caça-Fantasmas (ou Ghostbusters no original) é outra dentre as minhas franquias favoritas de todos os tempos. E sua parte cinematográfica se deve totalmente a três nomes: Ivan Reitman, Harold Ramis e Dan Aykroyd. O trio sempre esteve por trás dos roteiros e produção dos filmes da franquia, e mais especificamente nos dois filmes da década de 80 também os encontramos como diretor (Reitman) e atores (Ramis como "Egon" e Aykroyd como "Raymond").

O grupo estava tentando fazer um Caça-Fantasmas 3 desde a década de 90, o que nunca aconteceu, seja por alguns pequenos problemas de direitos autorais, falta de interesse de estúdios, ou total desinteresse do ator Bill Murray em retornar a franquia. Porém em 2009 seria lançado para várias plataformas digitais o jogo Ghostbusters: The Video Game (cuja história aliás foi baseada em um roteiro de Dan Aykroyd de 1999: outra de sua várias tentativas de fazer o tão sonhado Ghostbusters 3). O grande sucesso do jogo despertou o interesse da Columbia Pictures (subsidiária da Sony) em enfim produzir um novo filme para Ghostbusters. Já nessa época a idéia era misturar os atores originais com uma nova geração de jovens atores, "passando o bastão" da série.

Porém Bill Murray continuava a se recusar a voltar para os Caça-Fantasmas, e então os produtores se dividiam entre três opções: trazer outro ator para interpretar o personagem de Murray, fazer seu personagem em animação por computador, ou então, abandonar a história planejada e fazer um reboot dos filmes, com os personagens originais sendo todos feitos por novos atores. E a opção que estava vencendo era a terceira... quando então, infelizmente, em Fevereiro de 2014 Harold Ramis faleceu, com 69 anos. Isto mudou tudo: Ivan Reitman perdeu para sempre o interesse de voltar a dirigir qualquer filme da franquia, e então a Sony se apressou em fazer um reboot feminino de Ghostbusters, com uma equipe criativa totalmente nova (diretor, roteirista, etc).

Conforme já escrevi aqui no blog, o filme reboot Caça-Fantasmas de 2016 é bom, mas não agradou  a uma parcela dos fãs, seja por machismo, ou pela ausência dos atores originais, ou pelo tom menos sombrio e menos aventuresco dos filmes oitentistas. Mas toda a comoção em volta do retorno dos Ghostbusters aos cinemas, somada a boa recepção dos críticos fizeram que Dan Aykroyd e Sony retomassem o desejo de fazer o anteriormente planejado Caça-Fantasmas 3 misturando o elenco original com atores jovens. Bill Murray enfim aceitou voltar, e Jason Reitman, filho de Ivan, assumiu a direção no lugar do pai, que ficou apenas como produtor. E é assim que enfim (ufa!) chegamos neste Ghostbusters: Mais Além.

Ghostbusters: Mais Além ignora completamente o filme de 2016 e é uma continuação dos eventos que ocorreram no filme Os Caça-Fantasmas de 1984. Portanto, se você ainda não assistiu este clássico, não recomendo tanto assistir este Mais Além. Claro, aqui temos uma história completa, com começo meio e fim... até dá para assistir somente esta produção de 2021, mas você perderá boa parte das referências. O filme começa com um idoso Egon Spengler, isolado em uma cidadezinha perdida no interior dos EUA, lutando contra um poderoso fantasma. Ao morrer, sua família herda a fazenda onde ele morava e se move para lá, onde começa a conhecer seu legado. Aí conhecemos sua filha Callie (Carrie Coon) e seus netos Phoebe (Mckenna Grace) e  Trevor (Finn Wolfhard).

Não demora para o grupo, liderado pela jovem e apaixonada pela ciência Phoebe, perceber que o fantasma que levou o avô ainda precisa ser derrotado, e com isso eles também contam com a ajuda dos jovens "Podcast" (Logan Kim) e Lucky (Celeste O'Connor), e do professor Gary (Paul Rudd); todos estes estão muito bem no filme, bem engraçados. Notem que com isso os "novos" Caça-Fantasmas adolescentes acabam formando um grupo de dois garotos e duas garotas; que isto ajude acabar com a boba discussão sobre gênero ocorrida em 2016.

Sendo uma "continuação" do filme de 1984, a trama também é um bocado parecida, já que o inimigo a ser derrotado é o mesmo. Mas agora contamos com efeitos especiais muito melhores (foram quase 40 anos de diferença), e temos também um importante aspecto de "homenagem" ao acrescentado no roteiro. As homenagens são várias, tanto aos filmes da década de oitenta, como também, ao falecido Harold Ramis. No fundo, o roteiro foi totalmente reescrito em sua homenagem. E é bastante emocionante. Tanto as homenagens à antiga produção como a Ramis são apresentadas da maneira orgânica, e me comovi várias vezes.

Ghostbusters: Mais Além é tão bem sucedido em homenagear o auge da franquia nos anos 80, que também consegue recuperar o sentimento dos filmes daquela época. Havia muito tempo que eu não via um filme de "aventura de adolescentes" que me divertisse, e este conseguiu... algo que não acontecia comigo talvez desde os anos 80 rs. Se houve a reclamação de que o filme de 2016 não conseguiu copiar o "espírito" dos filmes de 84 e 89, isto não pode ser falado deste novo Ghostbusters. Tudo está aqui: aventura, terror e humor misturados como antes.

Ghostbusters: Mais Além trouxe para pequenas aparições quase todo o elenco principal: Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Sigourney Weaver e Annie Potts repetem seus respectivos papéis. Até o fantasma Geléia retorna; só o aposentado Rick Moranis que não quis voltar. Já Harold Ramis... este aparece das mais variadas formas... seja como a neta vivida pela atriz Mckenna Grace, ou então por outras maneiras que não contarei aqui para não dar spoilers. Mas uma coisa é clara: Harold Ramis e os Caça-Fantasmas ainda estão bem vivos, felizmente! Nota: 8,0

PS: Ghostbusters: Mais Além possui duas cenas pós créditos, ambas importantes. Não as percam!

Bônus. Da esquerda para a direita: Ivan Reitman, Carrie Coon, Mckenna Grace, Finn Wolfhard e Jason Reitman

Especial: DEZ filmes dos últimos DEZ anos que não tiveram crítica no Cinema Vírgula

Comemorando os 10 anos do meu blog, nada melhor do que falar sobre Cinema, e de quebra trazer um assunto dos que vocês mais me pedem: recomendações de filmes.

Como assisto em média uns 60 filmes "lançamento" por ano, não tenho a menor condição de escrever a crítica de todos eles por aqui. Portanto, muita coisa boa fica de fora. Então, resolvi fazer esta lista... 10 filmes que gostei bastante (ou seja, têm minha recomendação), e que foram lançados nos cinemas de 2012 em diante, mas que acabei não escrevendo sobre eles aqui no Cinema Vírgula... até agora.

Confira, e caso você conheça algum deles comente o que achou... do filme e da lista! Ela se encontra em ordem alfabética, e não em ordem "do melhor pro pior" ou algo do tipo:

Bird Box (idem, EUA, 2018)

Bird Box é um filme de suspense / terror / ficção científica muito bom, porém acabei não dando atenção para ele aqui no bloq por um único motivo: ele é muito parecido (e levemente inferior) a Um Lugar Silencioso, que por sua vez estreou alguns meses antes. Não se engane: mesmo sendo filmes similares, ambos valem a pena serem assistidos caso você goste deste tipo de produção.

Com Amor, Van Gogh ("Loving Vincent", EUA / Polônia / Reino Unido, 2017)

Van Gogh foi um dos pintores mais geniais e mais problemáticos da História, e este filme é uma realização simplesmente fantástica, uma obra de arte memorável digna de homenageá-lo: trata-se de uma animação contando a vida do famoso pintor holandês usando apenas pinturas a óleo sobre tela, todas imitando a técnica de Van Gogh. Ou seja, cada um dos 65.000 quadros do filme é uma pintura real diferente. Simplesmente sensacional!!! Fica o alerta de que nunca se soube com 100% de certeza quem realmente atirou em Van Gogh e consequentemente causou sua morte; portanto o que Com Amor, Van Gogh conta não é o fato "real", e sim apenas uma das hipóteses.

Doutor Sono ("Doctor Sleep", EUA / Reino Unido, 2019)

Filme que sofreu bastante injustiça por ser a aguardada continuação de O Iluminado (1980) e não correspondeu ao que os fãs esperavam. Eles queriam que o filme imitasse em tudo o clássico de Stanley Kubrick; Doutor Sono se aproximou de sua fotografia mas ficou apenas nisso. Só que por mim está tudo bem, pois a história é interessante, explica muita coisa do filme anterior, e curiosamente é mais fiel ao respectivo livro original do que O Iluminado foi. Inclusive, as partes em que Doutor Sono difere bastante do livro de Stephen King foram alteradas justamente para manter coerência com o filme antecessor.

À Espera dos Bárbaros ("Waiting for the Barbarians", EUA / Itália, 2019)

Recentemente eu citei À Espera dos Bárbaros (ou Esperando os Bárbaros, dependendo em que lugar você o encontra) na lista dos melhores filmes que vi em 2021. Um filme contemplativo e lento sobre como as guerras são violentas e desprovidas de qualquer sentido. Filmes sobre guerra existem aos montes, mas achei este bem diferente. Sua ambientação lembra a Legião Estrangeira Francesa, embora em nenhum momento qualquer país ou data seja citada no filme, com o provável objetivo que ele seja universal e atemporal.

Eu, Tonya ("I, Tonya", EUA, 2017)

O primeiro filme de sucesso de Margot Robbie como protagonista, que mesmo recebendo 3 indicações ao Oscar não teve repercussão aqui no Brasil. Se trata de um filme biográfico que conta a história da patinadora artística olímpica Tonya Harding, acusada de participar de um caso de agressão física contra sua principal rival. Além de ser obviamente interessante por ser uma história real, não deixa de ser chocante acompanhar toda a carreira da Tonya, e ver como ela foi antecipadamente tratada por todos como "vilã" por não atender os padrões da sociedade... isso bem antes de cometer qualquer ato "criminoso". Ou seja... uma história meio bizarramente Minority Report que nos faz refletir.

O Impossível ("Lo imposible", Espanha, 2012)

Ok, este é mais um dentre centenas daqueles "filmes catástrofes", onde um grupo de pessoas tenta sobreviver perante uma grande tragédia. Porém o primeiro diferencial de O Impossível é que se trata de uma história real, de uma família espanhola que sobreviveu a um tsunami ocorrido em 2004 quando passavam férias na Tailândia. Ainda que o filme tenha seus exageros e melodramas, em geral ele foge desses "clichês" e há várias cenas tocantes, reforçada por grandes atuações. Não tem como não se emocionar.

Maus Momentos no Hotel Royale ("Bad Times at the El Royale", EUA, 2018)

Um de meus diretores favoritos é Quentin Tarantino, e esse Maus Momentos no Hotel Royale, dirigido e escrito por Drew Goddard, surpreendentemente é como se fosse um filme feito por ele. Tirando a trilha sonora "variada e inspirada", todo o resto está lá: dezenas de personagens bizarros, uma trama que mistura muitos diálogos, violência, humor e reviravoltas. No elenco temos, dentre outros: Jeff Bridges, Dakota Johnson, Jon Hamm, Chris Hemsworth, Nick Offerman e Cynthia Erivo. Se você curte Tarantino, não tem erro.

Moonrise Kingdom ("Moonrise Kingdom", EUA, 2012)

Um filme de outro de meus diretores favoritos: Wes Anderson. Assim como Tarantino, os filmes de Wes são bem autorais e característicos; ambos usam dezenas de personagens bizarros, trilha sonora marcante, humor, porém ao invés dos muitos diálogos e violência, Anderson deixa como marca nos seus filmes um enquadramento estático centralizado e a "redenção" de personagens marginalizados. E em Moonrise Kingdom a fórmula não é diferente: duas crianças "estranhas" que não são compreendidas por ninguém se apaixonam e fogem de casa, naquele que é um dos melhores e mais tocantes filmes deste diretor. Fazem parte do elenco estrelado: Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman e Harvey Keitel dentre outros.

A Pele de Vênus ("La Vénus à La Fourrure", França / Polônia, 2013)

Um filme diferente, com apenas dois atores dentro de um teatro. Nele temos um diretor e uma atriz tentando ser contratada para uma peça. Porém a tal peça possui várias referências sadomasoquistas, e ao perceber que o interesse do diretor no assunto vai além do profissional, ela tenta seduzi-lo para obter o papel. O filme é basicamente composto de diálogos, e mesmo sem nenhuma cena "imprópria" ou "explícita", é impressionante como a atriz Emmanuelle Seigner consegue ser incrivelmente sedutora e dominadora. Boa pedida para quem quer ver uma grande atuação, ou gosta de filmes incomuns, ou simplesmente tem interesse pelo tema. Emmanuelle é casada na vida real com Roman Polanski, o diretor deste filme.

Sete Minutos Depois da Meia-Noite ("A Monster Calls", Espanha / EUA / Reino Unido, 2016)

Um filme bem bonito e emocionante que mistura fantasia com drama real, lembrando outros clássicos que fazem essa junção, como por exemplo Peixe Grande e suas Histórias Maravilhosas, ou O Labirinto do Fauno. Ele é menos complexo e menos "adulto" do que as duas obras que citei anteriormente, mas não deixa de ser um ótimo filme por isso.